Musique
Renseignements généraux
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| Musique | |
|---|---|
 Une peinture sur un vase grec antique représente une leçon de musique (c. 510 BC). | |
| Moyen | Son |
| Originaire de la culture | divers |
| Originaire ère | Paléolithique |
| Arts performants | |
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Formes majeures | |
Formes mineures | |
compétences de cirque · Magie · Mime · Marionnettes · Discours | |
Genres | |
Drame · Tragédie · Comédie · Tragicomédie · Romance · Satire · Epic · Lyrique | |
La musique est un art dont la forme milieu est son et le silence. Ses éléments sont communs terrain (qui régit mélodie et l'harmonie), rythme (et ses concepts associés tempo, compteur, et articulation), la dynamique et les qualités sonores de timbre et texture. Le mot dérive du grec μουσική (mousike; «l'art de la Muses ").
La création, la performance, l'importance et même la définition de la musique varient selon la culture et le contexte social. La musique va de compositions strictement organisés (et leurs loisirs de la performance), à travers la musique d'improvisation à formes aléatoires. La musique peut être divisé en genres et sous-genres, bien que les lignes et les relations de démarcation entre les genres musicaux sont souvent subtiles, parfois ouverte à l'interprétation individuelle, et parfois controversée. Dans les arts, la musique peuvent être classés comme une art du spectacle, un art , et l'art auditif. Il peut également être répartie entre la musique de l'art et la musique folk . Il ya aussi un lien étroit entre musique et les mathématiques. La musique peut être joué et entendu en direct, peut faire partie d'un dramatique ou filmer, ou peut être enregistrée.
Pour beaucoup de gens dans de nombreuses cultures, la musique est une partie importante de leur mode de vie. Le grec ancien et Philosophes indiens définis la musique sous forme de tonalités commandés horizontalement et verticalement mélodies que harmonies. Dictons communs tels que «l'harmonie des sphères» et «ce est la musique à mes oreilles" point à la notion que la musique est souvent ordonnée et agréable à écouter. Cependant, compositeur du 20e siècle John Cage pense que ne importe quel son peut être la musique, en disant, par exemple, «Il n'y a pas de bruit, seul le son." Musicologue Jean-Jacques Nattiez résume le relativiste, point de vue post-moderne: «La frontière entre la musique et le bruit est toujours définie par la culture-ce qui implique que, même au sein d'une seule société, cette frontière ne passe pas toujours par le même endroit, en un mot, il est rarement un consensus ... Par tous les comptes, il ne ya pas de concept universel unique et interculturelle définir ce qu'est la musique pourrait être ".
Histoire
Ères préhistoriques
Musique préhistorique ne peut être théorisé basée sur les résultats de sites archéologiques paléolithiques. Flûtes sont souvent découverts, sculpté à partir d'os dans lequel des trous ont été percés latérales; ceux-ci sont considérés comme ayant été soufflé à une extrémité comme le japonais shakuhachi. Le Divje babe flûte, sculptée dans un ours des cavernes fémur, est pensé pour être âgé d'au moins 40.000 ans. Des instruments tels que la flûte de sept trous et divers types de instruments à cordes ont été récupérés dans les vallée de l'Indus Civilisation archéologiques sites. L'Inde a une des plus anciennes traditions musicales dans le monde des références à Musique classique indienne (marga) se trouvent dans le Védas, écritures anciennes du Tradition hindoue. La collection plus tôt et le plus grand des instruments de musique préhistoriques a été trouvé dans la Chine et remonte à entre 7000 et 6600 av. Le Hurrian chanson, disponible sur tablettes d'argile qui remontent à environ 1400 avant JC, est le plus ancien survivant notée œuvre de musique.
L'Egypte Ancienne
L'ancien Egyptiens crédité un de leurs dieux, Thot, avec l'invention de la musique, qui Osiris à son tour utilisé dans le cadre de son effort de civiliser le monde. La plus ancienne des preuves matérielles et de représentation des instruments de musique égyptiens remonte à la Période prédynastique, mais la preuve est plus solidement attestée dans le Ancien Empire où harpes, flûtes et clarinettes doubles ont été joués. Les instruments à percussion, lyres et luths ont été ajoutés à des orchestres par la Moyen-Uni. Cymbales accompagne fréquemment de la musique et de la danse, comme ils le font toujours en Egypte aujourd'hui. Égyptienne musique folk , y compris le traditionnel Rituels dhikr soufis, sont les plus proches contemporaine genre musical à l'Egypte ancienne musique, ayant conservé beaucoup de ses caractéristiques, les rythmes et instruments.
Cultures asiatiques
| Gangubai Hangal Durga |
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Musique classique indienne est l'une des plus anciennes traditions musicales dans le monde. La civilisation de l'Indus a des sculptures qui montrent la danse et instruments de musique anciens, comme les sept trous flûte. Différents types d'instruments à cordes et tambours ont été récupérés à partir Harrappa et Mohenjo Daro par les fouilles effectuées par Sir Mortimer Wheeler. Le Rigveda a des éléments de la musique indienne, présente avec une notation musicale pour désigner le compteur et le mode de chant. Musique classique indienne (marga) est monophonique, et basée sur une ligne mélodique simple ou raga rythmiquement organisé par talas. Musique hindoustanie a été influencée par les pratiques de performance persans des Moghols afghans. Musique carnatique populaire dans les États du Sud, est en grande partie de dévotion; la majorité des chansons se adressent aux divinités hindoues. Il ya beaucoup de chansons mettant l'accent sur l'amour et d'autres questions sociales.
Musique asiatique couvre les cultures musicales de Saoudite, Asie Centrale, Asie De L'Est, Asie du Sud et Asie Du Sud Est. La musique classique chinoise, l'art ou le tribunal musique traditionnelle de la Chine, a une histoire qui se étend sur environ trois mille ans. Il a ses propres systèmes uniques de notation musicale, ainsi que le réglage de musique et la hauteur, instruments de musique et de styles ou genres musicaux. Musique chinoise est pentatonique-diatonique, ayant une échelle de douze notes d'une octave (5 + 7 = 12) comme le fait la musique d'influence européenne. Musique persane est la musique de la Perse et les pays de langue persanes: Musiqi, la science et l'art de la musique, et muzik, le son et la performance de la musique (Sakata 1983).
Antiquité
Les cultures occidentales ont eu une influence majeure sur le développement de la musique. L'histoire de la musique des cultures occidentales peut être remonte à l'époque la Grèce antique.
Grèce Antique
La musique était un élément important de la vie sociale et culturelle de la Grèce antique . Musiciens et chanteurs ont joué un rôle important dans Théâtre grec. Mixtes chœurs effectués pour le divertissement, la célébration et des cérémonies spirituelles. Instruments inclus l'anche double aulos et un arrachées instrument à cordes, le lyre, principalement le genre spécial appelé cithare. La musique était un élément important de l'éducation, et les garçons ont appris la musique à partir de six ans. Alphabétisation musicale grecque a créé une floraison de développement de la musique. Grecque théorie de la musique inclus grec modes musicaux, qui est finalement devenu la base de l'Ouest religieuse et musique classique. Plus tard, des influences de l' Empire romain , l'Europe de l'Est , et l' Empire byzantin changé la musique grecque. Le Seikilos épitaphe est l'exemple le plus ancien d'une composition musicale complète, y compris la notation musicale, de ne importe où dans le monde.
Le Moyen Âge
| Léonin ou Pérotin Breves meurt hominis |
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Le médiévale ère (476 AD à 1400 AD) a commencé avec l'introduction du chant dans l'Eglise catholique romaine services. Musique ouest puis a commencé à devenir plus d'une forme d'art avec les progrès de la notation musicale. Le seul répertoire médiéval européenne qui survit d'avant environ 800 est le monophonique liturgique plain-chant de l'Eglise catholique romaine, la tradition centrale qui a été appelé le chant grégorien . Parallèlement à ces traditions de sacré et la musique d'église, il existait une tradition vivante de chant profane. Des exemples de compositeurs de cette période sont Léonin, Pérotin et Guillaume de Machaut.
La Renaissance
| TL de Victoria Meus Amicus |
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Renaissance de la musique (c. 1400 AD à 1600 AD) était plus concentré sur des thèmes séculaires. Autour de 1450, le imprimerie a été inventée, et qui a contribué à diffuser styles musicaux plus rapidement et sur une plus grande surface. Ainsi, la musique pourrait jouer un rôle plus important dans la vie quotidienne. Musiciens travaillé pour l'Eglise, les tribunaux et les villes. chorales d'église ont augmenté en taille, et l'église sont restés un important mécène de la musique. Vers le milieu du 15ème siècle, compositeurs ont écrit la musique sacrée richement polyphonique. Compositeurs éminents de cette époque sont Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley, et Roland de Lassus. Toutefois, l'activité musicale décalée vers les tribunaux. Les rois et les princes en compétition pour les meilleurs compositeurs.
Beaucoup de compositeurs importants leaders venus de Hollande, la Belgique et le nord de la France et sont appelés les compositeurs franco-flamands. Ils occupaient des postes importants dans toute l'Europe, surtout en Italie. Les autres pays ayant vies musicales dynamiques sont l'Allemagne, l'Angleterre et l'Espagne.
Le baroque
| JSBach Toccata und Fuge |
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Le Époque baroque de la musique a eu lieu de 1600 à 1750, que le style artistique baroque se épanouit à travers l'Europe; et pendant ce temps, la musique a élargi sa gamme et de la complexité. La musique baroque a commencé quand les premiers opéras ont été écrits et quand la musique contrapuntique est devenu répandu. Compositeurs baroques allemands ont écrit pour les petits ensembles y compris cordes, cuivres , et bois, ainsi que choeurs, orgue , clavecin, et clavicorde. Pendant cette période, plusieurs formes de musique majeurs ont été définis qui a duré en périodes plus tard, quand ils ont été élargies et a encore évolué, y compris le fugue, la invention, la sonate, et de la concerto. Le style baroque tardif était polyphonique complexe et ornementale et riche de ses mélodies. Compositeurs de l'époque baroque comprennent Johann Sebastian Bach , Georg Friedrich Haendel , et Georg Philipp Telemann.
Classicisme
| WA Mozart Symphony 40 g-moll |
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La musique de la Période classique (1750 AD à 1830 AD) est tourné vers l'art et la philosophie de la Grèce antique et de Rome, aux idéaux de l'équilibre, proportion et d'expression disciplinée. Il a une texture plus légère, plus claire et beaucoup plus simple, et avait tendance à être presque voicelike et chantante. Nouveaux genres ont été découverts. Le style principal est la homophonie, où éminent mélodie et accompagnement sont clairement distincts.
Importance a été donné à musique instrumentale. Il a été dominée par la poursuite de l'évolution des formes musicales initialement définis à l'époque baroque: le sonate, la concerto, et de la symphonie. Autres principaux types étaient trio, quatuor à cordes, sérénade et divertimento. La sonate était la forme la plus importante et développé. Bien compositeurs baroques ont également écrit des sonates, le style classique de la sonate est complètement distincte. Toutes les principales formes instrumentales de l'époque classique ont été basées sur la structure dramatique de la sonate.
L'une des étapes de l'évolution les plus importants réalisés dans la période classique a été le développement de concerts publics. L'aristocratie serait encore jouer un rôle important dans le parrainage de la vie musicale, mais il est désormais possible pour les compositeurs de survivre sans être ses employés permanents. La popularité croissante a conduit à une croissance à la fois le nombre et la gamme des orchestres. L'expansion des concerts d'orchestre a nécessité de grands espaces publics. En raison de tous ces processus, la musique symphonique (y compris l'opéra , le ballet et oratorio) est devenu plus extraverti.
Les compositeurs les plus connus du classicisme sont Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven et Franz Schubert . Beethoven et Schubert sont également considérés comme des compositeurs évolution vers le romantisme.
Romantisme
| R. Wagner Die Walküre |
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Musique Romantique (c. 1810 AD à 1900 AD) a transformé les styles rigides et formes de l'époque classique en morceaux plus passionnés et expressifs. Il a tenté d'augmenter l'expression émotionnelle et la puissance pour décrire vérités plus profondes ou des sentiments humains. Les qualités émotionnelles et expressives de la musique sont venus prendre le pas sur la technique et la tradition. Compositeurs romantiques ont augmenté en idiosyncrasie, et sont allés plus loin dans le syncrétisme de différentes formes d'art (comme la littérature), l'histoire (des personnages historiques), ou la nature elle-même avec la musique. L'amour romantique est un thème répandu dans de nombreuses œuvres composées pendant cette période. Dans certains cas, les structures formelles de la période classique ont été conservés, mais dans de nombreux autres genres, formes et fonctions existantes ont été améliorées. En outre, de nouvelles formes ont été créées qui ont été jugées mieux adaptées à la nouvelle matière. Opéra et ballet ont continué à évoluer.
En 1800, la musique développée par Ludwig van Beethoven et Franz Schubert introduit un style expressif plus dramatique. Dans le cas de Beethoven, motifs, développé organiquement, vinrent remplacer mélodie comme l'unité de composition la plus importante. Plus tard, compositeurs romantiques tels que Piotr Ilitch Tchaïkovski , Antonín Dvořák, et Gustav Mahler utilisé plus élaboré accords et plus dissonance pour créer une tension dramatique. Ils ont généré des œuvres complexes et souvent beaucoup plus musicale. Pendant la période romantique la tonalité était à son apogée. La fin du 19e siècle a vu une expansion spectaculaire de la taille de l' orchestre , et dans le rôle de concerts dans le cadre de la société urbaine. Il a également vu une nouvelle diversité dans la musique de théâtre, y compris opérette, et comédie musicale et d'autres formes de théâtre musical.
Des 20ème et 21ème siècle la musique
Avec La musique du 20e siècle, il y avait une grande augmentation de l'écoute de la musique comme la radio a gagné en popularité et phonographes ont été utilisés pour rejouer et de distribuer de la musique. L'objectif de la musique d'art a été caractérisée par l'exploration de nouveaux rythmes, des styles et des sons. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg, et John Cage étaient tous les compositeurs influents dans l'art de la musique du 20e siècle. L'invention de l'enregistrement sonore et la possibilité de modifier la musique ont donné lieu à de nouveaux sous-genres de la musique classique, y compris le acousmatique et Écoles de musique concrète composition électronique.
Jazz a évolué et est devenu un genre important de la musique au cours du 20ème siècle, et pendant la seconde moitié de ce siècle, la musique rock a fait de même. Jazz est une forme d'art musical américain qui a pris naissance dans le début du 20e siècle dans Les communautés afro-américaines dans le sud des États-Unis à partir d'un confluent de Africains et européens traditions musicales. Le style de Afrique de l'Ouest pedigree est évident dans son utilisation de notes bleues, improvisation, polyrythmies, syncopes, et la note balancée. De début de son développement jusqu'à présent, le jazz a également incorporé la musique du 19e et 20e siècle la musique populaire américaine . Jazz a, depuis sa création au début du 20e siècle, donné naissance à une variété de sous-genres, allant de La Nouvelle Orléans Dixieland (1910) pour 1970 et 1980 de l'ère jazz-rock fusion.
Rock est un genre de musique populaire qui se est développée dans les années 1960 à partir des années 1950 rock and roll, rockabilly, blues, et la musique country . Le son du rock tourne souvent autour de la guitare électrique ou acoustique, et il utilise une forte battement de retour prévue par un Rhythm Section des électrique guitare, basse tambours et instruments à clavier tels que orgue , le piano , ou, depuis les années 1970, synthétiseurs analogiques et numériques et les ordinateurs depuis les années 1990. Avec la guitare ou de claviers, saxophone et de blues de style harmonica sont utilisés comme instruments de solos. Dans sa "forme la plus pure," il "a trois accords, un temps fort en arrière, insistante, et une mélodie accrocheuse." À la fin des années 1960 et au début des années 1970, il se lance dans différents sous-genres, allant de blues rock et jazz-rock fusion à métaux lourds et punk rock, ainsi que le genre influence plus classique rock progressif et plusieurs types de genres de rock expérimental.
Performance
La performance est l'expression physique de la musique. Souvent, une œuvre musicale est effectuée une fois sa structure et l'instrumentation sont satisfaisants à ses créateurs; Toutefois, comme il se effectue, il peut évoluer et changer. Une performance peut être soit répété ou improvisé. L'improvisation est une idée musicale créée sans préméditation, tandis que la répétition est la répétition vigoureuse d'une idée jusqu'à ce qu'il ait atteint la cohésion. Musiciens seront parfois ajouter l'improvisation à une idée bien rodé pour créer une performance unique.
Beaucoup de cultures comprennent de fortes traditions de en solo et la performance, comme dans la musique classique indienne, et dans la tradition art-musique occidentale. D'autres cultures, comme en Bali, comprennent de fortes traditions de la performance du groupe. Toutes les cultures sont un mélange des deux, et les performances peuvent varier de solo improvisé jouant pour le plaisir de l'un des rituels de performance hautement planifiées et organisées comme le concert de musique classique moderne, processions religieuses, festivals de musique ou concours de musique. La musique de chambre, ce qui est de la musique pour un petit ensemble avec seulement quelques-uns de chaque type d'instrument, est souvent considérée comme plus intime que les œuvres symphoniques.
Aural Tradition
De nombreux types de musique, tels que traditionnelle blues et la musique folklorique ont été à l'origine conservés dans la mémoire des artistes, et les chansons ont été prononcées par voie orale , ou auditivement (à l'oreille). Lorsque le compositeur de la musique ne est plus connu, cette musique est souvent classé comme «traditionnelle». Traditions musicales différentes ont des attitudes différentes à l'égard où et comment apporter des modifications au matériel source original, de très strictes, à ceux qui demandent l'improvisation ou la modification de la musique. L'histoire d'une culture peut également être transmis à l'oreille à travers la chanson.
Ornementation
Le détail inclus explicitement dans le notation musicale varie entre genres et périodes historiques. En général, la notation musicale de l'art du 17ème à travers les artistes siècle 19e nécessaire d'avoir beaucoup de connaissances contextuelles sur l'exécution de styles. Par exemple, dans le 17e et 18e siècle, la musique notée pour solistes généralement indiqué une mélodie simple, sans fioritures. Cependant, les exécutants devaient savoir comment ajouter des ornements stylistiquement appropriées, telles que trilles et tourne. Au 19ème siècle, la musique d'art pour les artistes solo peut donner une instruction générale de manière à effectuer la musique expressive, sans décrire en détail comment l'interprète doit faire. On se attendait à l'interprète de savoir comment utiliser les changements de tempo, accentuation, et pauses (entre d'autres périphériques) pour obtenir ce style de performance «expressive». Au 20e siècle, la notation musicale de l'art devenait souvent plus explicite et utilisé une gamme de marques et annotations pour indiquer aux interprètes comment ils doivent jouer ou chanter la pièce.
En la musique populaire et le jazz, la notation musicale indique presque toujours que le cadre général de la mélodie, l'harmonie, ou l'approche de la performance; musiciens et chanteurs sont censés connaître les conventions de performance et styles associés à des genres et des pièces spécifiques. Par exemple, le " feuille de plomb "pour un air de jazz ne peut indiquer la mélodie et les changements d'accords. Les acteurs de la Orchestre de jazz devraient savoir comment «étoffer» cette structure de base par des ornements en ajoutant, musique improvisée, et accompagnement d'accords.
Production
La musique est composée et interprétée à de nombreuses fins, allant de plaisir esthétique, à des fins religieuses ou rituelles, ou comme produit de divertissement pour le marché. Les musiciens amateurs composent et jouent de la musique pour leur propre plaisir, et ils ne tirent leurs revenus de la musique. Les musiciens professionnels sont employés par un éventail d'institutions et organisations, y compris les forces armées, les églises et les synagogues, les orchestres symphoniques, la radiodiffusion ou sociétés de production cinématographique, et écoles de musique. Les musiciens professionnels travaillent parfois comme pigistes, la recherche de contrats et engagements dans une variété de paramètres.
Il ya souvent de nombreux liens entre musiciens amateurs et professionnels. Début musiciens amateurs prennent leçons avec des musiciens professionnels. Dans les milieux communautaires, musiciens amateurs avancés effectuent avec des musiciens professionnels dans divers ensembles et orchestres. Dans certains cas, les musiciens amateurs à atteindre un niveau de compétence professionnelle, et ils sont en mesure d'exécuter les paramètres de performances professionnelles. Une distinction est souvent faite entre la musique jouée au profit d'un public en direct et de la musique qui est effectué dans le but d'être enregistré et distribué à travers le système de musique de détail ou le système de radiodiffusion. Cependant, il ya aussi de nombreux cas où une performance en direct devant un public est enregistrée et distribuée (ou de diffusion).
Composition
"Composition" est souvent classé comme la création et l'enregistrement de la musique via un moyen par lequel d'autres peuvent l'interpréter (ce est à dire, du papier ou du son). De nombreuses cultures utilisent au moins une partie de la notion de preconceiving matériau musical, ou la composition, comme détenus dans l'ouest musique classique. Même quand la musique est notée précisément, il ya encore de nombreuses décisions qu'un artiste doit faire. Le processus d'un artiste de décider comment effectuer la musique qui a déjà été composé et notée est appelé interprétation. Les interprétations de la même musique de différents artistes peuvent varier considérablement. Compositeurs et auteurs de chansons qui présentent leur propre musique interprètent, tout autant que ceux qui effectuent la musique des autres ou de la musique folklorique. Le corps niveau de choix et techniques présents à un moment donné et un lieu donné est appelé la pratique d'exécution, tandis que l'interprétation est généralement utilisé pour désigner soit les choix individuels d'un interprète, ou un aspect de la musique qui ne est pas clair, et a donc une interprétation «standard».
Dans certains genres musicaux, comme le jazz et le blues, encore plus de liberté est donnée à l'artiste de se engager dans l'improvisation sur un cadre mélodique, harmonique, ou rythmique de base. La plus grande latitude est donnée à l'interprète dans un style d'effectuer appelé improvisation libre, qui est un matériau qui est spontanément »la pensée de« (imaginé) tout en étant effectuée, pas préconçue. Musique improvisée suit généralement les conventions stylistiques ou de genre et même «entièrement composé" comprend certains librement choisi matériau. Composition ne signifie pas toujours l'utilisation de la notation, ou seul auteur connu d'un individu. La musique peut également être déterminée en décrivant un "processus" qui crée des sons musicaux. Des exemples de cette gamme de carillons éoliens, grâce à des programmes informatiques qui sélectionnent les sons. Musique à partir d'éléments aléatoires est appelé Aleatoric musique, et est associée à des compositeurs tels que John Cage, Morton Feldman, et Witold Lutoslawski.
La musique peut être composé pour une performance répétée ou il peut être improvisé: composé sur place. La musique peut être effectuée entièrement de mémoire, d'un système écrit de notation musicale, ou une combinaison des deux. Étude de la composition a toujours été dominé par l'examen des méthodes et pratiques de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure des œuvres spontanément improvisées comme celles de artistes de jazz gratuits et percussionnistes africains comme le batteurs Ewe.
Notation
Notation est l'expression écrite de notes et rythmes musicaux sur papier à l'aide de symboles. Quand la musique est écrite, les emplacements et le rythme de la musique est noté, avec des instructions sur la façon d'effectuer la musique. L'étude de la façon de lire la notation implique la théorie musicale, l'harmonie, l'étude de la pratique de la performance, et, dans certains cas, une compréhension des méthodes de performance historiques. Notation écrite varie avec le style et la période de la musique. Dans la musique de l'art occidental, les types les plus communs de notation écrite sont scores, qui comprennent toutes les pièces de musique d'un morceau d'ensemble, et les pièces, qui sont la notation de la musique pour les artistes-interprètes ou chanteurs individuels. En musique populaire, jazz, et le blues, la notation musicale standard est la feuille de plomb, qui notates la mélodie, les accords, paroles (si ce est une pièce vocale), et la structure de la musique. Scores et pièces sont également utilisés dans la musique populaire et le jazz, en particulier dans les grands ensembles tels que jazz "big bands."
En musique populaire, guitaristes et électrique bassistes souvent lire la musique notée en tablature (souvent abrégé en "tab"), ce qui indique l'emplacement des notes à jouer sur l'instrument en utilisant un schéma de la guitare ou de la basse touche. Tabulature a également été utilisé à l'époque baroque à transcrire la musique pour le luth, un instrument à cordes frettes. Musique notée est produit comme partition. Pour jouer de la musique de la notation nécessite une compréhension à la fois des éléments rythmiques et de tangage contenus dans les symboles et la pratique de la performance qui est associé à un morceau de musique ou un genre. Dans l'improvisation, l'artiste joue souvent de la musique où seuls les changements d'accords sont écrits, nécessitant une grande compréhension de la structure de la musique et progressions d'accords.
Improvisation
Improvisation musicale est la création de la musique spontanée. Improvisation est souvent considérée comme un acte de composition instantanée par des artistes, où les techniques de composition sont employés avec ou sans préparation. L'improvisation est une partie importante de certains types de musique, tels que le blues, le jazz , et jazz fusion, dans laquelle les artistes solos instrumentaux improviser et des lignes mélodiques. Dans la tradition de la musique occidentale, l'improvisation était une compétence importante à l'époque baroque et à l'époque classique; interprètes et chanteurs solistes virtuoses cadences improvisées lors de concerts. Toutefois, dans le 20ème et 21ème siècle, l'improvisation a joué un petit rôle dans La musique de l'art occidental.
Théorie
Théorie de la musique englobe la nature et de la mécanique de la musique. Il se agit souvent d'identifier les modèles qui régissent les techniques de compositeurs et de l'examen de la langue et de la notation de la musique. Dans une grande sens, la théorie de la musique distille et analyse la paramètres ou éléments de la musique - rythme, l'harmonie ( fonction harmonique), mélodie, la structure, forme, et texture. Globalement, la théorie de la musique peut inclure toute déclaration, la croyance ou la conception ou de la musique. Les gens qui étudient ces propriétés sont connues comme théoriciens de la musique. Certains ont appliqué acoustique, la physiologie humaine et la psychologie à l'explication de comment et pourquoi la musique est perçue. La musique a de nombreux fondamentaux ou éléments différents. Ce sont, mais ne sont pas limités à: terrain, battre ou le pouls, le rythme, la mélodie, l'harmonie, la texture, la répartition des voix, le timbre ou la couleur, qualités expressives (dynamique et articulation), et la forme ou de la structure.
Pitch est un sensation subjective, reflétant généralement la bassesse ou d'un son Altesse. Le rythme est l'arrangement de sons et de silences dans le temps . Compteur anime le temps dans des groupes réguliers d'impulsions, appelé des mesures ou des bars. Une mélodie est une série de notes de sondage en succession. Les notes d'une mélodie sont généralement créés par rapport à la hauteur des systèmes tels que échelles ou modes. Harmony est l'étude des sonorités verticales dans la musique. Sonorité verticale consiste à envisager les relations entre les emplacements qui se produisent ensemble; cela signifie habituellement en même temps, bien que l'harmonie peut également être impliquée par une mélodie qui décrit une structure harmonique. Les notes peuvent être disposés en différents échelles et modes. La théorie de la musique occidentale divise généralement l'octave en une série de 12 notes qui pourraient être inclus dans un morceau de musique. Dans la musique écrite en utilisant le système d'majeur-mineur tonalité, la clé d'une pièce détermine l'échelle utilisée. Texture musicale est le son global d'un morceau de musique couramment décrite selon le nombre et la relation entre les parties ou des lignes de musique: monophonie, hétérophonie, la polyphonie, homophonie, ou monodie.
Timbre, parfois appelée «couleur» ou «Couleur Tone" est la qualité ou le son d'une voix ou d'un instrument. Qualités expressives sont les éléments de la musique qui créent changement de musique qui ne sont pas liés à la hauteur, le rythme ou le timbre. Ils comprennent la dynamique et l'articulation. La forme est une facette de la théorie de la musique qui explore le concept de la syntaxe musicale, au niveau local et mondial. Des exemples de formes courantes de la musique occidentale comprennent la fugue, la invention, sonate allegro, canon, strophique, thème et variations, et rondo. Musique populaire a souvent recours à des forme strophique souvent en conjonction avec Douze bar blues. L'analyse est l'effort pour décrire et expliquer la musique.
Philosophie et d'esthétique
Philosophie de la musique est l'étude des questions fondamentales concernant la musique. L'étude philosophique de la musique a de nombreux liens avec des questions philosophiques la métaphysique et l'esthétique . Certaines questions fondamentales de la philosophie de la musique sont:
- Quelle est la définition de la musique? (Quels sont les conditions nécessaires et suffisantes pour classer quelque chose que la musique?)
- Quelle est la relation entre la musique et l'esprit?
- Qu'est-ce que l'histoire musicale nous révèle le monde?
- Quel est le lien entre la musique et les émotions?
- Qu'est-ce sens par rapport à la musique?
Traditionnellement, l'esthétique de la musique ont exploré les dimensions mathématiques et cosmologiques de l'organisation rythmique et harmonique. Au XVIIIe siècle, accent se est déplacé à l'expérience de la musique audience, et donc à des questions sur sa beauté et la jouissance humaine ( Plaisir et jouissance) de la musique. L'origine de ce changement philosophique est parfois attribué à Baumgarten au 18ème siècle, suivie par Kant . Grâce à leur écriture, l'ancien terme «esthétique», ce qui signifie la perception sensorielle, a reçu son présent jour connotation. Au cours des dernières décennies philosophes ont eu tendance à mettre l'accent sur les questions Outre la beauté et la jouissance. Par exemple, la capacité de la musique pour exprimer l'émotion a été une question centrale.
Au 20e siècle, d'importantes contributions ont été faites par Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton, et Stephen Davies. Cependant, de nombreux musiciens, critiques de musique, et d'autres non-philosophes ont contribué à l'esthétique de la musique. Au 19e siècle, un débat important a surgi entre Eduard Hanslick, critique musical et musicologue et compositeur Richard Wagner . Harry Partch et quelques autres musicologues, comme Kyle Gann, ont étudié et essayé de populariser Micro-intervalle et l'utilisation de suppléant échelles musicales. Aussi de nombreux compositeurs modernes comme Lamonte Young, Rhys Chatham et Glenn Branca payé beaucoup d'attention à une échelle appelée intonation juste.
Il est souvent pensé que la musique a la capacité d'affecter nos émotions , intellect, et la psychologie ; il peut apaiser notre solitude ou inciter nos passions. Le philosophe Platon suggère dans la République que la musique a un effet direct sur l'âme. Par conséquent, il propose que dans la musique de régime idéal serait étroitement réglementée par l'Etat. (Livre VII)
Il ya eu une forte tendance dans l'esthétique de la musique pour souligner l'importance primordiale de la structure de la composition; toutefois, d'autres questions relatives à l'esthétique de la musique comprennent lyrisme, harmonie, hypnotisme, émotivité , dynamique temporelle, résonance, de l'espièglerie, et couleur (voir aussi développement musical).
Cognition et la psychologie
Cognition musicale
Le domaine de la cognition musicale implique l'étude de nombreux aspects de la musique, y compris la façon dont elle est traitée par les auditeurs. Plutôt que d'accepter les pratiques standard de l'analyse, la composition et interprétation de la musique comme une donnée, beaucoup de recherches en cognition musicale cherche plutôt à découvrir les processus mentaux qui sous-tendent ces pratiques. Aussi, la recherche dans le domaine cherche à découvrir les points communs entre les traditions musicales de cultures disparates et possibles «contraintes» cognitives qui limitent ces systèmes musicaux. Les questions concernant l'innéité musicale, et les réponses émotionnelles à la musique sont également d'importants domaines de la recherche dans le domaine.
Sourds personnes peuvent éprouver de la musique en ressentant les vibrations dans leur corps, un processus qui peut être amélioré si la personne détient, un objet creux de résonance. Un musicien sourd bien connu est le compositeur Ludwig van Beethoven , qui a composé de nombreuses œuvres célèbres, même après qu'il avait complètement perdu son audition. Parmi les exemples récents de musiciens sourds comprennent Evelyn Glennie, un très acclamé percussionniste qui est sourd depuis douze ans, et Chris Buck, un virtuose violoniste qui a perdu son audience. Cela est pertinent car il indique que la musique est un processus cognitif plus profond que des phrases non examinées comme «agréable à l'oreille" suggère. Beaucoup de recherches en cognition musicale cherche à découvrir ces processus mentaux complexes impliqués dans l'écoute de la musique, qui peut paraître intuitivement simple, mais sont considérablement compliqué et complexe.
Institut neurologique de Montréal chercheur Valorie Salimpoor et ses collègues ont montré que les sentiments agréables associés à la musique émotionnelle sont le résultat dela libération de dopamine dans lestriatum - les mêmes zones anatomiques qui sous-tendent les aspects d'anticipation et de récompenser des médicaments addiction.
Neuroscience cognitive de la musique
Neuroscience cognitive de la musique est l'étude scientifique des mécanismes fondés sur le cerveau impliquées dans les processus cognitifs sous-jacents de la musique. Ces comportements incluent l'écoute de musique, la scène, la composition, la lecture, l'écriture et les activités auxiliaires. Il est également de plus en plus préoccupés par la base du cerveau pour l'esthétique musicale et l'émotion musicale. Les scientifiques qui travaillent dans ce domaine peuvent avoir une formation en neurosciences cognitives, neurologie, neuro-anatomie, la psychologie, la théorie de la musique, de l'informatique, et d'autres domaines connexes.
Neuroscience cognitive de la musique se distingue des domaines connexes tels quela musique psychologie,cognition musicale etla musicologie cognitive dans sa dépendance à l'égard des observations directes du cerveau, en utilisant des techniques telles quel'imagerie par résonance magnétique fonctionnelle (IRMf),la stimulation magnétique transcrânienne (TMS),la magnétoencéphalographie ( MEG),l'électroencéphalographie (EEG), et tomographie par émission de positrons (PET).
la psychologie de la musique
la psychologie de la musique, ou de la psychologie de la musique, peuvent être considérés comme une branche de la psychologie ou une branche de la musicologie. Il vise à expliquer et à comprendre le comportement musical et de l'expérience musicale. La psychologie moderne de la musique est essentiellement empirique: connaissances de la musique-psychologique tend à progresser principalement sur la base d'interprétations de données sur le comportement et l'expérience musicale, qui sont recueillis par l'observation systématique et l'interaction avec les participants humains. la psychologie de la musique est un domaine de recherche présentant de l'intérêt pratique pour la performance de la musique, la composition musicale, éducation musicale, la médecine de la musique, et musicothérapie.
Musicologie cognitive
Musicologie cognitive est une branche dela science cognitive concerné avecla modélisation de calcul connaissances musicales dans le but de comprendre à la fois la musique et la cognition.
Musicologie cognitive peut être différencié dans les domaines de la cognition musicale, la musique psychologie et neuroscience cognitive de la musique par une différence d'accent méthodologique. Musicologie cognitive utilise la modélisation informatique pour étudier la musique liés représentation des connaissances et a des racines dans l'intelligence artificielle et sciences cognitives. l'utilisation de modèles informatiques fournit une exigeante, média interactif dans lequel de formuler et de tester des théories.
Ce domaine interdisciplinaire examine des sujets tels que les parallèles entre la langue et la musique dans le cerveau. Modèles inspirés de la biologie de calcul sont souvent inclus dans la recherche, tels que les réseaux de neurones et les programmes évolutifs. Ce champ vise à modéliser comment la connaissance musicale est représenté, stocké, perçu, réalisée et produite. En utilisant un environnement informatique bien structuré, les structures systématiques de ces phénomènes cognitifs peuvent être étudiés.
Psychoacoustique
Psychoacoustique est l'étude scientifique de son perception. Plus précisément, il est la branche de la science qui étudie les psychologiques et les réponses physiologiques associés avec le son (y compris la parole et de la musique ). Il peut encore être classé comme une branche de la psychophysique.
Biomusicology
Biomusicology est l'étude de la musique à partir d'un point de vue biologique. Le terme a été inventé par Nils L. Wallin en 1991. La musique est un aspect du comportement de l'espèce humaine et peut-être d'autres. Comme les êtres humains sont des organismes vivants, l'étude scientifique de la musique fait donc partie de la biologie , ainsi le "bio" dans "biomusicology."
Biomusicologists sont censés avoir complété des études formelles dans la biologie ou d'autres sciences expérimentales et la musicologie, y compris la théorie de la musique. Les trois principales branches de biomusicology sont musicologie évolutif, neuromusicology et musicologie comparée. Musicologie Evolutionary étudie les origines de la musique ", la question de la chanson des animaux, des pressions de sélection qui sous-tendent l'évolution de la musique", et "l'évolution de la musique et de l'évolution humaine". Neuromusicology étudie les "zones du cerveau impliquées dans le traitement de la musique, les processus neuronaux et cognitifs de traitement musical," et "l'ontogenèse de la capacité musicale et d'habileté musicale". Musicologie comparée étudie les "fonctions et usages de la musique, des avantages et des coûts de faire de la musique", et "caractéristiques universelles des systèmes musicaux et comportement musical."
Sociologie
La musique est vécue par les individus dans une gamme de paramètres sociaux, allant d'être le seul à assister à un grand concert. Les performances musicales prennent des formes différentes selon les cultures et les milieux socio-économiques. En Europe et en Amérique du Nord, il ya souvent un fossé entre ce que les types de musique sont considérés comme une « haute culture »et« basse culture ». «Haute culture» types de musique comprennent généralement la musique occidentale tels que baroque, classique, romantique et symphonies de l'ère moderne, concertos et œuvres en solo, et sont généralement entendues dans des concerts officiels dans les salles de concert et les églises, avec le public assis tranquillement dans des sièges.
Autres types de musique, y compris, mais sans s'y limiter, jazz, blues, soul, et pays -sont souvent réalisées dans des bars, des discothèques et des théâtres, où le public peut être en mesure de boire, danser, et de se exprimer par acclamations. Jusqu'à la fin du 20ème siècle, la division entre des formes musicales "haute" et "basse" a été largement acceptée comme une distinction valable que séparé de meilleure qualité, plus avancé "musique savante" des modèles les plus populaires de la musique entendues dans les bars et les salles de danse.
Cependant, dans les années 1980 et 1990, les musicologues qui étudient ce fossé perçu entre "haute" et "basse" genres musicaux ont fait valoir que cette distinction ne repose pas sur la valeur musicale ou de la qualité des différents types de musique. Au contraire, ils ont fait valoir que cette distinction a été fondée en grande partie sur le statut de la socio-économie ou la classe sociale des artistes ou le public des différents types de musique. Par exemple, alors que le public pour des concerts symphoniques classiques ont généralement des revenus supérieurs à la moyenne, le public pour un concert de rap dans une zone du centre-ville peut avoir des revenus inférieurs à la moyenne. Même si la artistes, le public, ou le lieu où non «art» de la musique est exécutée peut avoir un faible statut socioéconomique, la musique qui est effectué, comme le blues, rap, punk, funk, ou ska peut être très complexe et sophistiqué.
Lorsque compositeurs introduisent styles de musique qui rompent avec la convention, il peut y avoir une forte résistance de la part des experts académiques de musique et la culture populaire. Fin de période quatuors à cordes de Beethoven, Stravinski ballet scores, le sérialisme, jazz bebop époque, hip-hop, punk rock, et electronica ont tous été considérés comme non-musique par certains critiques quand ils ont été introduits. Ces thèmes sont examinés dans la sociologie de la musique. L'étude sociologique de la musique, parfois appelé sociomusicology, est souvent poursuivi dans les départements de sociologie, études des médias, ou de la musique, et est étroitement lié au domaine de l' ethnomusicologie.
Entreprise
L'industrie de la musique se réfère à l'industrie d'entreprise lié à la création et la vente de musique. Il se compose de maisons de disques, labels et éditeurs qui distribuent musique enregistrée à l'échelle internationale et qui contrôlent souvent les droits sur ces produits. Certaines étiquettes de musique sont " indépendant ", tandis que d'autres sont des filiales de grandes entités corporatives ou internationales des groupes de médias. Dans les années 2000, la popularité croissante de l'écoute de la musique sous forme de fichiers numériques de musique sur les lecteurs MP3, iPod ou les ordinateurs, et de la musique de la négociation sur le partage de fichiers de sites ou d'acheter en ligne sous forme de fichiers numériques ont eu un impact majeur sur la musique traditionnelle affaires. Beaucoup de magasins de CD indépendants petites sortit de l'entreprise comme des acheteurs de musique ont diminué leurs achats de CD et de nombreux labels eu ventes de CD inférieurs. Certaines entreprises ont bien fait avec le changement à un format numérique, bien que, comme d'Apple iTunes, une boutique en ligne qui vend des fichiers numériques de chansons sur Internet.
Éducation
Amateur
L'incorporation de la formation musicale du préscolaire à l'éducation postsecondaire est commun en Amérique du Nord et en Europe. Implication dans la musique est pensé pour enseigner les compétences de base telles que la concentration, le comptage, l'écoute et la coopération tout en favorisant la compréhension de la langue , l'amélioration de la capacité de rappeler l'information, et créer un environnement plus propice à l'apprentissage dans d'autres domaines. En écoles primaires, les enfants sont souvent apprendre à jouer des instruments comme la flûte à bec , de chanter dans les petites chorales, et en apprendre davantage sur l'histoire de la musique occidentale. Dans les écoles secondaires les élèves peuvent avoir la possibilité d'effectuer un certain type d'ensembles musicaux, comme des chorales, fanfares, harmonies de concert, orchestres de jazz, ou des orchestres, et, dans certains systèmes scolaires, des cours de musique peuvent être disponibles. Certains élèves prennent également privés des leçons de musique avec un professeur. Les musiciens amateurs prennent généralement des leçons à apprendre les rudiments de musique et beginner- aux techniques musicales de niveau intermédiaire.
A l' université de niveau, les étudiants dans la plupart des arts et des sciences humaines programmes peuvent recevoir un crédit pour prendre des cours de musique, qui prennent généralement la forme d'un cours général sur la histoire de la musique , ou un cours de musique d'appréciation qui se concentre sur l'écoute de la musique et l'apprentissage de différents styles musicaux. En outre, la plupart des universités nord-américaines et européennes ont un certain type d'ensembles musicaux que les étudiants non-musicaux sont en mesure de participer à, comme des chorales, des fanfares, des orchestres ou. L'étude de la musique occidentale est de plus en plus à l'extérieur commun de l'Amérique du Nord et en Europe, tels que l' Institut indonésien des Arts à Yogyakarta, en Indonésie , ou les programmes de musique classique qui sont disponibles dans les pays asiatiques tels que la Corée du Sud, le Japon et la Chine. Dans le même temps, les universités et les collèges occidentaux se creusent leur programme pour y inclure la musique des cultures non-occidentales, comme la musique de l'Afrique ou de Bali (par exemple de la musique de Gamelan).
Academia
Musicologie est l'étude du sujet de la musique. Les premières définitions défini trois sous-disciplines: musicologie systématique, musicologie historique et musicologie comparative ou ethnomusicologie. Dans la recherche contemporaine, on est plus susceptible de rencontrer une division de la discipline dans la théorie de la musique, histoire de la musique, et de l'ethnomusicologie. Recherche en musicologie a souvent été enrichi par le travail interdisciplinaire, par exemple dans le domaine de la psychoacoustique. L'étude de la musique des cultures non-occidentales, et l'étude culturelle de la musique, est appelé ethnomusicologie. Les étudiants peuvent poursuivre l'étude de premier cycle de la musicologie, l'ethnomusicologie, histoire de la musique, et de la théorie de la musique à travers plusieurs types de diplômes, dont un baccalauréat en musique, un BA avec concentration en musique, un BA avec spécialisation en musique, ou un baccalauréat en histoire de la musique et la littérature. Les diplômés des programmes de musique de premier cycle peuvent passer à une étude plus approfondie dans les programmes d'études supérieures de musique.
Diplômes d'études supérieures comprennent le Maître de Musique, le Master of Arts, le docteur en philosophie (PhD) (par exemple, en musicologie ou théorie de la musique), et plus récemment, le doctorat en musique, ou DMA. La maîtrise en musique, qui prend un à deux ans pour terminer, est généralement accordées à des étudiants de la performance d'un instrument, de l'éducation, de la voix ou de la composition. Le Master of Arts, qui prend un à deux ans pour compléter et souvent nécessite une thèse, est généralement accordées à des étudiants en musicologie, histoire de la musique, ou la théorie de la musique. Étudiant diplômes universitaires en musique, y compris le baccalauréat en musique, le baccalauréat en musique l'éducation et le baccalauréat ès arts (avec spécialisation en musique) prennent généralement trois à cinq ans pour terminer. Ces degrés offrent aux étudiants une dans la théorie de la musique et de l'histoire de la musique, et de nombreux étudiants étudient également un instrument ou chanter apprennent la technique dans le cadre de leur programme.
La thèse, qui est nécessaire pour les étudiants qui veulent travailler comme professeurs d'université en musicologie, histoire de la musique, ou la théorie de la musique, prend trois à cinq ans d'études après le diplôme de Master, au cours de laquelle l'étudiant complétera cours avancés et entreprendre des recherches pour une dissertation. Le DMA est relativement nouveau degré qui a été créé pour fournir des informations d'identification pour les artistes professionnels ou compositeurs qui veulent travailler comme professeurs d'université dans la performance musicale ou de la composition. Le DMA prend trois à cinq ans après l'obtention d'une maîtrise, et comprend des cours avancés, les projets et performances. Au Moyen-Age, l'étude de la musique était l'un des Quadrivium des sept arts libéraux et considéré comme essentiel à l'enseignement supérieur. Dans le Quadrivium quantitative, de la musique, ou plus exactement harmoniques, était l'étude des proportions raisonnables.
Zoomusicology est l'étude de la musique des animaux non-humains, ou les aspects musicaux de sons produits par des animaux non-humains. Comme George Herzog (1941) a demandé, "ne animaux ont la musique?" de François-Bernard Mâche Musique, mythe, la nature, ous les Dauphins d'Arion (1983), une étude de la «ornitho-musicologie" en utilisant une technique de de Nicolas Ruwet Langage, musique, poésie (1972) paradigmatique analyse de segmentation, montre que des chants d'oiseaux sont organisées selon un principe de répétition-transformation. Jean-Jacques Nattiez (1990), fait valoir que "dans la dernière analyse, il est un être humain qui décide de ce qui est ou non de musique, même lorsque le son est pas d'origine humaine. Si nous reconnaissons que le son soit organisé et conceptualisé (qui est, fait pour former la musique) simplement par son producteur, mais par l'esprit qui le perçoit, alors la musique est uniquement humain. "
Théorie de la musique est l'étude de la musique, généralement d'une manière très technique en dehors des autres disciplines. Plus largement, il fait référence à toute étude de la musique, généralement liée à une certaine forme avec les préoccupations de composition, et peut comprendre les mathématiques , la physique , et l'anthropologie . Ce qui est le plus souvent enseignée dans les classes commençant de la théorie de la musique sont des lignes directrices pour écrire dans le style de la période de pratique courante, ou la musique tonale. Théorie, même de la musique de la période de pratique courante, peut prendre de nombreuses autres formes. théorie des ensembles de musique est l'application de mathématique théorie des ensembles de la musique, d'abord appliqué à la musique atonale . théorie de la musique spéculative , en contraste avec la théorie de la musique analytique , est consacrée à la l'analyse et la synthèse de matériaux de musique, par exemple des systèmes de réglage, généralement en tant que préparation pour la composition.
Ethnomusicologie
Ethnomusicologie
Dans l'Ouest, une grande partie de l'histoire de la musique qui est enseigné traite de l'art de la musique de la civilisation occidentale. L'histoire de la musique dans d'autres cultures (" musique du monde "ou le domaine de la« ethnomusicologie ») est également enseigné dans les universités occidentales. Cela comprend les traditions classiques documentés de pays asiatiques en dehors de l'influence de l'Europe de l'Ouest, ainsi que la musique folklorique ou indigène de diverses autres cultures. Styles populaires de musique varient largement d'une culture à, et d'une période à. Différentes cultures ont souligné différents instruments ou techniques, ou utilise pour la musique. La musique a été utilisée non seulement pour le divertissement, pour les cérémonies, et pour la communication pratique et artistique, mais aussi pour la propagande .
Il ya une foule de classifications de musique, dont beaucoup sont pris dans l'argument sur la définition de la musique. Parmi les plus importantes de ces derniers est la division entre la musique classique (ou «art» de la musique), et la musique populaire (ou la musique commerciale - y compris la musique rock, la musique country et la musique pop). Certains genres ne correspondent pas parfaitement dans l'un de ces "deux grands" classifications, (comme la musique folklorique, musique du monde, ou de la musique de jazz).
Comme les cultures du monde sont entrés en contact plus étroit , leurs styles musicaux autochtones ont souvent fusionnées dans de nouveaux styles. Par exemple, aux États-Unis style bluegrass contient des éléments provenant Anglo- Irlandaise, écossais, irlandais, traditions instrumentales et vocales allemands et africains, qui étaient en mesure de fusionner dans la société multi-ethnique des États-Unis. Genres de musique sont déterminés autant par la tradition et la présentation que par la musique actuelle. Certaines œuvres, comme George Gershwin Rhapsody in Blue , sont revendiquées à la fois par le jazz et la musique classique, tandis que celle de Gershwin Porgy and Bess et Leonard Bernstein West Side Story sont revendiquées à la fois par l'opéra et de la tradition musicale de Broadway. Beaucoup de festivals de musiques actuelles célébrer un genre musical particulier.
La musique indienne , par exemple, est l'un des types de vie les plus anciennes et les plus longues de la musique, et est encore largement entendu et réalisé en Asie du Sud, ainsi qu'à l'étranger (en particulier depuis les années 1960). Musique indienne a principalement trois formes de la musique classique, l'hindoustani, carnatique, et styles de Dhrupad. Il dispose également d'un large répertoire de styles, qui impliquent seulement la musique de percussion tels que les performances de talavadya célèbres L'Inde du Sud.
Musicothérapie
La musicothérapie est un processus interpersonnel dans lequel le thérapeute utilise la musique et toutes ses facettes-physiques, émotionnels, mentaux, sociaux, esthétiques et spirituels afin d'aider les clients à améliorer ou maintenir leur santé. Dans certains cas, les besoins du client sont adressées directement à travers la musique; dans d'autres ils sont abordés à travers les relations qui se développent entre le client et le thérapeute. La musicothérapie est utilisée avec des personnes de tous âges et avec une variété de conditions, y compris: troubles psychiatriques, problèmes médicaux, les handicaps physiques, les déficiences sensorielles, des troubles du développement, de la toxicomanie, troubles de la communication, les problèmes interpersonnels, et le vieillissement. Il est également utilisé pour: améliorer l'apprentissage, développer l'estime de soi, réduire le stress, soutenir l'exercice physique, et de faciliter une foule d'autres activités liées à la santé.
Une des premières mentions de la musicothérapie a été dans d'Al-Farabi (la c 872 -. 950) treatise Signification de l'Intellect , qui décrit les effets thérapeutiques de la musique sur la âme. musique a longtemps été utilisé pour aider les gens à composer avec leurs émotions. Au 17ème siècle, le savant de Robert Burton L'Anatomie de la mélancolie a fait valoir que la musique et la danse étaient critiques dans le traitement de la maladie mentale, en particulier la mélancolie. Il a noté que la musique a un «excellent pouvoir ... d'expulser de nombreuses autres maladies" et il a appelé "un remède souverain contre le désespoir et la mélancolie." Il a souligné que dans l'Antiquité, Canus, un violoniste de Rhodes, a utilisé la musique de «faire un homme joyeux mélancolie, ... un amant plus amoureux, un homme religieux plus dévot." En Novembre 2006, le Dr Michael J. Crawford et ses collègues ont également constaté que la musicothérapie a aidé schizophrènes patients. Dans l' Empire ottoman , les maladies mentales ont été traités avec de la musique.
