Aquarelle sur papier

Aquarelle ( anglais américain ) ou aquarelle ( Du Commonwealth et de l'Irlande), également aquarelle du français, est une peinture méthode. Une aquarelle est le moyen ou résultant œuvre dans laquelle le Les peintures sont faites de pigments en suspension dans un véhicule soluble dans l'eau. Le support traditionnel et la plus courante pour aquarelles est le papier; autres supports comprennent papyrus, des documents de l'écorce, des matières plastiques, vélin ou le cuir, le tissu , le bois, et toile. Aquarelles sont généralement transparente, lumineuse et apparaissent parce que les pigments sont fixées dans une forme relativement pure avec peu de charges obscurcissant les couleurs du pigment. Aquarelle peut également être rendue opaque en ajoutant du blanc chinois. En Asie de l'Est, peinture à l'aquarelle avec des encres est appelé peinture au pinceau ou la peinture de défilement. En Chinois, Coréen, et Peinture japonaise, il a été le média dominant, souvent en noir monochrome ou bruns. L'Inde, l'Ethiopie et d'autres pays ont aussi une longue tradition. Fingerpainting à l'aquarelle est originaire de Chine.

Histoire

Bien que l'aquarelle est extrêmement ancienne, datant peut-être pour les peintures rupestres de l'Europe paléolithique, et a été utilisé pour enluminure au moins depuis l'époque égyptienne mais surtout au Moyen Age européen, son histoire continue comme un moyen d'expression artistique commence à la Renaissance. L'artiste de la Renaissance du Nord allemande Albrecht Dürer (1471-1528) qui a peint plusieurs botaniques, fauniques et des paysages aquarelles fines, est généralement considéré parmi les premiers exposants du milieu. Une importante école de peinture à l'aquarelle en Allemagne a été dirigée par Hans Bol (1534-1593) dans le cadre de la Renaissance Dürer .

Malgré ce début précoce, aquarelles étaient généralement utilisés par les peintres de chevalet baroques seulement pour croquis, des copies ou des dessins animés (dessins de conception à petite échelle). Parmi premiers praticiens notables de peinture à l'aquarelle étaient Van Dyck (lors de son séjour en Angleterre), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione, et beaucoup Néerlandais et Artistes flamands. Cependant, botaniques et fauniques illustrations sont peut-être la tradition plus ancienne et la plus importante dans la peinture à l'aquarelle. Illustrations botaniques est devenu populaire à la Renaissance, à la fois comme la main teintées illustrations sur bois dans les livres ou les journaux grand format et dessins à l'encre que sur teintées vélin ou papier. Artistes botaniques ont toujours été parmi les peintres à l'aquarelle les plus exigeantes et les plus accomplis, et même aujourd'hui aquarelles-avec leur capacité unique pour résumer, clarifier et idéaliser en pleine couleur sont utilisés pour illustrer les publications scientifiques et muséales. Faune illustration a atteint son apogée au 19ème siècle avec des artistes tels que John James Audubon, et les guides naturalistes sur le terrain aujourd'hui beaucoup sont encore illustrés par des aquarelles.

École anglaise

Plusieurs facteurs ont contribué à la propagation de l'aquarelle au cours du 18ème siècle, en particulier en Angleterre. Parmi les classes d'élite et aristocratiques, peinture à l'aquarelle a été l'un des ornements accessoires d'une bonne éducation, surtout pour les femmes. En revanche, l'aquarelle a également été évalués par les experts, cartographes, des officiers militaires et des ingénieurs pour son utilité dans la représentation des propriétés, des terrains, des fortifications ou la géologie sur le terrain et pour illustrer les travaux publics ou projets commandés. aquarellistes ont été fréquemment amené avec les expéditions géologiques ou archéologiques financés par la Société des Dilettanti (fondée en 1733) pour documenter découvertes dans la Méditerranée, l'Asie et le Nouveau Monde. Ces stimulé la demande pour les peintres topographes qui concocter peintures memento de sites célèbres (et sites) le long de la Grand Tour en Italie qui a été parcourue par chaque jeune homme ou femme à la mode du temps. Dans la fin du 18e siècle, l'ecclésiastique anglais William Gilpin a écrit une série de livres très populaires décrivant ses "pittoresques" voyages à travers l'Angleterre rurale et illustré avec ses propres aquarelles monochromes sentimentale de vallées fluviales, anciens châteaux et églises abandonnées; son exemple popularisé aquarelles comme une forme de la revue touristique personnelle. La confluence de ces, ingénierie, scientifiques, touristiques et amateurs intérêts culturels ont abouti à la célébration et à la promotion de l'aquarelle comme un «art national" très anglais. Parmi les nombreux aquarellistes importante de cette période étaient Thomas Gainsborough , John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo Rooker, William Pars, Thomas Hearne et John Warwick Smith. William Blake a publié plusieurs livres de poésie teintée main gravée, illustrations à l'Enfer de Dante, et a également expérimenté avec grand monotype travaille à l'aquarelle.

De la fin du 18ème siècle à travers le 19ème siècle, le marché pour les livres imprimés et art domestique a largement contribué à la croissance du milieu. Aquarelles ont été utilisés comme la base de ce document paysage ou touristiques gravures de collection ont été développés, et les originaux peints à la main à l'aquarelle ou des copies de tableaux célèbres ont contribué à de nombreux portefeuilles d'art de classe supérieure. Bordées par satiriques Thomas Rowlandson, la plupart publiés par Rudolph Ackermann, étaient aussi extrêmement populaire.

Les trois artistes anglais ont contribué à bâtir l'aquarelle comme un médium de la peinture sont matures indépendante Paul Sandby (1730-1809), souvent appelé «le père de l'aquarelle anglaise», Thomas Girtin (1775-1802), pionnier de son utilisation pour le grand format, romantique ou la peinture de paysage pittoresque, et Joseph Mallord William Turner (1775-1851), qui a apporté de l'aquarelle au plus haut degré de puissance et de raffinement et créé avec elle des centaines de peintures historiques, topographiques, architecturaux et mythologiques superbes. Sa méthode d'élaboration de la peinture à l'aquarelle par étapes, en commençant avec de grandes zones de couleur vagues établis sur papier humide, puis affiner l'image à travers une séquence de lavages et les glaçures, lui a permis de produire un grand nombre de peintures avec l'efficacité de l'atelier et a fait de lui un multimillionnaire en partie grâce à la vente de sa galerie d'art personnelle, la première en son genre. Parmi les contemporains importants et très talentueux de Turner et Girtin étaient John Varley, John Sell Cotman, Anthony Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell et Samuel Prout. Le peintre suisse Louis Ducros était également bien connu pour son grand format, peintures romantiques à l'aquarelle.

La confluence de l'activité amateur, marchés de l'édition, milieu collecte d'art de classe et la technique de la peinture du 19ème siècle a conduit à la formation de peinture anglaise aquarelle sociétés: la Société des peintres dans l'eau Couleurs (1804, maintenant connu sous le nom Royal Watercolour Society), et la nouvelle société aquarelle (1832). (Une société écossaise de peintres en aquarelle a été fondée en 1878.) Ces sociétés fournies expositions annuelles et des références de l'acheteur pour de nombreux artistes et également engagés dans des rivalités d'état mesquines et des débats esthétiques, notamment entre les partisans de traditionnelle ("transparent") aquarelle et la adopteurs précoces de la couleur possible avec bodycolor ou à la gouache (aquarelle "opaque") plus dense. Les périodes géorgienne et victorienne tardive produit à l'apogée de l'aquarelle britannique, parmi les plus impressionnantes œuvres les 19ème siècle sur papier, par Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt, John Frederick Lewis, Myles Birket Foster, Frederick Walker, Thomas Collier et bien d'autres. En particulier, la gracieuse, lapidaire et peintures de genre atmosphériques par Richard Parkes Bonington a créé un engouement international pour la peinture à l'aquarelle, en particulier en Angleterre et en France, dans les années 1820.

La popularité des aquarelles stimulé de nombreuses innovations, y compris les documents plus lourds et plus lourdement taille vélin et brosses (appelés «crayons») fabriqués expressément pour la peinture à l'aquarelle. tutoriels Aquarelle ont d'abord été publiés dans cette période de Varley, Cox et d'autres, innover les instructions étape-par-étape peinture qui caractérise encore aujourd'hui le genre; "Les éléments de dessin", un tutoriel d'aquarelle par le critique d'art anglais John Ruskin, a été épuisé qu'une seule fois depuis sa première publication en 1857. marques de paintmaking commerciaux apparu et peintures ont été emballés dans des tubes métalliques ou des gâteaux secs qui pourraient être "effacé" (dissous) en porcelaine de studio ou utilisé dans portable boîtes de peinture métallique sur le terrain. Percées contemporaines en chimie fait beaucoup de nouveaux pigments disponibles, y compris le bleu de Prusse, le bleu outremer, bleu cobalt, vert émeraude, violet de cobalt, le jaune de cadmium, aureolin (de cobaltinitrite de potassium), blanc de zinc et un large éventail de carmin et laques de garance. Ce à son tour stimulé une plus grande utilisation de la couleur à travers tous les médias de peinture, mais dans aquarelles anglaises en particulier par les préraphaélites peintres.

Aquarelle sur papier est également devenu populaire aux États-Unis pendant le 19ème siècle; premiers praticiens en suspens comprennent John James Audubon, ainsi que début Peintres de l'Hudson River School tels que William H. Bartlett et George Harvey. Au milieu du siècle, l'influence de John Ruskin a conduit à un intérêt croissant à l'aquarelle et en particulier dans l'utilisation d'un style détaillées "ruskinienne» par des artistes tels que John W. Hill Henry, William Trost Richards, Roderick Newman, et Fidelia Bridges. La Société américaine des peintres en aquarelle (aujourd'hui Amérique Watercolor Society) a été fondée en 1866. Les principaux exposants américains la fin du 19ème siècle du milieu inclus Thomas Moran, Thomas Eakins, John LaFarge, John Singer Sargent, Childe Hassam, et, par excellence, Winslow Homer.

Europe

Aquarelle était moins populaire sur le continent, bien que de nombreux exemples ont été produites par les peintres français, y compris Eugène Delacroix, François Marius Granet, Henri-Joseph Harpignies et le satiriste Honouré Daumier.

Malheureusement l'adoption négligente et excessif de la couleur, de colorants vives dérivés du pétrole aniline (et pigments composés d'eux), qui ont tous fondu rapidement à l'exposition à la lumière, et les efforts pour conserver correctement les 20 000 peintures de Turner héritées par le British Museum en 1857, conduit à un examen et une réévaluation négative de la permanence des pigments à l'aquarelle. Cela a provoqué une forte baisse de leur statut et de la valeur de marché. Néanmoins, exposants isolés ont continué à préférer et à développer le milieu dans le 20e siècle. En Europe, magnifiques paysages maritimes et aquarelles ont été produites par Paul Signac, et Paul Cézanne a développé un style de peinture à l'aquarelle entièrement composé de chevauchement petits émaux de couleur pure.

20ième siècle

Parmi les nombreux artistes du 20e siècle qui ont produit d'importants travaux à l'aquarelle, mention doit être faite de Wassily Kandinsky, Emil Nolde, Paul Klee, Egon Schiele et Raoul Dufy; En Amérique, les principaux représentants inclus Charles Burchfield, Edward Hopper, Georgia O'Keeffe , Charles Demuth et John Marin, dont 80% de la production totale est à l'aquarelle. Dans cette période de l'aquarelle américaine (et l'huile) la peinture était souvent imitative européenne impressionnisme et du post-impressionnisme, mais l'individualisme significative a prospéré dans les styles «régionales» de la peinture à l'aquarelle dans les années 1920 aux années 1940, en particulier le " Cleveland School »ou« école de l'Ohio "des peintres centrées autour de la Cleveland Museum of Art, et le " Peintres Scène Californie ", beaucoup d'entre eux associés à des studios d'animation de Hollywood ou la Chouinard Art Institute (maintenant California Institute of the Arts). Les peintres Californie exploitées géographie variée de leur état, climat méditerranéen et «automobilité» pour relancer le plein air ou de la tradition "de plein air"; parmi les plus influents étaient Phil Dike, Fiches Millard, Rex Brandt, Dong Kingman et Milford Zornes. Le California Water Colour Society, fondée en 1921 et rebaptisé plus tard la Société nationale Aquarelle, expositions importantes sponsorisés de leur travail.

Bien que la hausse des expressionnisme abstrait, et l'influence de banaliser des peintres amateurs et styles de peinture publicitaire ou d'atelier d'influence, ont conduit à une baisse temporaire de la popularité de l'aquarelle après c.1950, aquarelles continuent d'être utilisés par des artistes tels que Joseph Raffael, Andrew Wyeth, Philip Pearlstein, Eric Fischl, Gerhard Richter, Anselm Kiefer et Francesco Clemente. En Espagne, Ceferí Olivé a créé un style novateur, également suivi par ses étudiants, comme Rafael Alonso López-Montero et Francesc Torné Gavaldà. Dans le Mexique sont les principaux exposants Ignacio Barrios, Edgardo Coghlan, Ángel Mauro, Vicente Mendiola et Pastor Velázquez.

Aquarelle modernes sont désormais aussi durable et coloré comme l'huile ou acrylique, et le récent regain d'intérêt pour le dessin et l'art multimédia a également stimulé la demande de belles œuvres à l'aquarelle. Comme les marchés d'art continuent à se développer, les sociétés de peinture continuent d'ajouter des membres et vieillissement les baby-boomers prennent leur retraite de plus en plus passe-temps plus contemplatives, aquarelle sur deux niveaux amateur et professionnel continue à devenir de plus en plus populaire.

Peindre

peinture d'aquarelle se compose de quatre ingrédients principaux:

• les pigments , naturels ou synthétiques, minérales ou organiques;
• la gomme arabique à titre de liant pour maintenir le pigment en suspension et fixer le pigment sur la surface de la peinture;
• comme additifs la glycérine, fiel de bœuf, le miel , les conservateurs: pour modifier la viscosité, la clandestinité, la durabilité ou la couleur du mélange de pigments et de véhicules; et
• solvant, la substance utilisée pour diluer mince ou la peinture pour l'application et qui se évapore lorsque la peinture durcit ou sèche.

Le terme " watermedia "se réfère à ne importe quel support de peinture qui utilise l'eau comme solvant et qui peut être appliqué avec une brosse , stylo ou d'un pulvérisateur; Ceci inclut la plupart encres, aquarelles , temperas, gouaches et moderne peintures acryliques.

Le terme se réfère à l'aquarelle peintures qui utilisent solubles dans l'eau, des glucides complexes comme liant. L'origine (16ème-18ème siècles) des liants d'aquarelle étaient sucres et / ou masquer colles, mais depuis le 19ème siècle, le liant préféré est naturel la gomme arabique, avec glycérine et / ou du miel en tant qu'additifs pour améliorer la plasticité et la capacité de dissolution du liant, et avec d'autres produits chimiques ajoutés pour améliorer la durée de vie du produit.

Aussenfarbe se réfère à peindre qui est opaque plutôt que transparente, aquarelle souvent opaques, qui est également connu comme gouache. Peintures acryliques modernes reposent sur une chimie complètement différent qui utilise solubles dans l'eau une résine acrylique comme liant.

Aquarelles commerciaux

aquarellistes avant c.1800 devaient faire eux-mêmes à l'aide de peintures pigments achetés chez un apothicaire ou «marchand de couleurs" spécialisé; les premières peintures commerciales étaient petits blocs résineux qui ont dû être mouillée et laborieusement "effacé" dans l'eau. William Reeves (1739-1803) mis en place dans les affaires comme un Colorman environ 1766. En 1781, lui et son frère, Thomas Reeves, ont reçu la Palette d'argent de la Société des Arts, pour l'invention de l'aquarelle humide peinture gâteau, une gain de temps de commodité dont l'introduction coïncide avec le «âge d'or» de l'anglais aquarelle.

Modernes aquarelle commerciaux sont disponibles sous deux formes: des tubes ou des casseroles. La plupart des peintures sont vendus dans des tubes métalliques démontables de tailles standards (typiquement 7,5, 15 ou 37 ml.), Et sont formulés pour obtenir une consistance semblable à la pâte dentifrice. Peintures Pan (en fait, petits gâteaux ou des barres de peinture dans un contenant de plastique ouvert séché) sont habituellement vendus en deux tailles, pleines casseroles (environ 3 cc de peinture) et des casseroles de moitié (favorisés pour boîtes de peinture compactes). Casseroles sont historiquement plus âgés, mais souvent perçu comme moins pratique; ils sont le plus souvent utilisés dans les boîtes de peinture métallique portables, également introduites dans le milieu du 19ème siècle, et sont préférés par le paysagiste ou peintres naturalistes.

Parmi les marques les plus largement utilisés d'aquarelles commerciaux aujourd'hui sont Daler Rowney, Daniel Smith, DaVinci, Holbein, Maimeri, M. Graham. Reeves, Schmincke, Sennelier, Talens, et Winsor & Newton.

Merci à la chimie organique industrielle moderne, la variété, la saturation (éclat) et la permanence des couleurs d'art disponibles aujourd'hui est plus grande que jamais. Cependant, l'industrie des matériaux de l'art est beaucoup trop petite pour exercer un effet de levier sur le marché mondial ou colorant la fabrication de pigments. Avec de rares exceptions près, toutes les peintures d'aquarelle modernes utilisent des pigments qui ont été fabriqués pour une utilisation dans les encres d'imprimerie, peintures automobiles et architecturales, teintures pour le bois, le béton, céramiques et plastiques, colorants emballage de consommation, aliments, médicaments, textiles et cosmétiques. Les fabricants de peinture achètent de très petites fournitures de ces pigments, moulin (mécaniquement Mix) eux avec le véhicule, solvant et additifs, et le paquet eux.

noms de couleurs

Beaucoup d'artistes sont confus ou induits en erreur par des pratiques d'étiquetage communs dans l'industrie des matériaux de l'art. Le nom de marketing pour une peinture, comme «jaune indien» ou «vert émeraude», ne est souvent qu'une évocation de la couleur poétique ou surnom de propriété; il n'y a pas obligation légale qu'il décrire le pigment qui donne à la peinture sa couleur.

Pour remédier à cette confusion, en 1990, l'industrie des matériaux de l'art volontairement commencé la liste des ingrédients de pigment sur l'emballage de la peinture, en utilisant le nom de pigment commune (comme "bleu cobalt" ou "rouge de cadmium"), et / ou un code d'identification de pigment standard, le nom générique de l'indice de couleur (PB28 pour le bleu de cobalt, PR108 pour le cadmium rouge) attribué par la Society of Dyers et coloristes (Royaume-Uni) et l'Association américaine des chimistes et coloristes textiles (USA) et connu sous le nom Colour Index International. Cela permet aux artistes de choisir les peintures en fonction de leurs ingrédients pigmentaires, plutôt que les étiquettes poétiques qui leur sont assignées par les commerçants. Les pigments de peinture et formulations varient selon les fabricants, et l'aquarelle avec le même nom de couleur (par exemple, "vert sève») de différents fabricants peuvent être formulés avec des ingrédients complètement différents.

Transparence

peintures d'aquarelle sont habituellement évalués sur quelques attributs clés. Dans les débats partisans du monde de l'art anglais du 19ème siècle, gouache a été catégoriquement opposé à aquarelles traditionnelles et dénigrée pour son haut pouvoir couvrant ou le manque de «transparence»; Aquarelles "transparent" ont été exaltées. Peintures à faible pouvoir couvrant sont évalués, car ils permettent un dessin sous-jacent ou la gravure à afficher dans l'image, et parce que les couleurs peuvent être mélangées visuellement par superposition des peintures sur le papier (qui elle-même peut être soit blanc ou teinté). La couleur résultante va changer en fonction de l'ordre de superposition des pigments. En fait, il ya très peu aquarelles véritablement transparentes, ni sont là aquarelles complètement opaques (à l'exception de la gouache); et toute la peinture aquarelle peut être rendu plus transparent tout simplement en le diluant avec de l'eau.

Couleurs "transparent" ne contiennent pas dioxyde de titane (blanc) ou plus de la pigments de terre ( Sienna, terre d'ombre, etc.) qui sont très opaque. La réclamation du 19ème siècle qui aquarelles "transparentes" gain "luminosité" parce qu'ils fonctionnent comme un volet du vitrail posé sur le papier - la couleur intensifiée parce que la lumière passe à travers le pigment, reflète du papier, et passe une seconde fois par la pigment sur son chemin vers le spectateur-est faux: l'aquarelle ne forment pas une couche de peinture de cohésion, comme le font acrylique ou peintures à l'huile, mais se dispersent simplement pigment particules au hasard à travers le la surface du papier. Aquarelles sont plus vives que les acryliques ou huiles parce que les pigments sont fixées dans une forme plus pur avec moins de charges (telles que le kaolin) obscurcir les couleurs du pigment. Plusieurs couches de l'aquarelle ne obtenir un effet très lumineux en raison des charges moins obscurcissant les particules de pigment.

Pigments caractéristiques

La coloration est une caractéristique attribuée à l'aquarelle: une peinture de coloration est difficile d'éliminer ou de levage du support de la peinture après qu'il a été appliqué ou séché. Moins de couleurs de coloration peuvent être allégées ou supprimées presque entièrement lorsqu'il est mouillé, ou quand réhumidifié puis "levées" en caressant doucement avec une brosse propre et humide, puis effacés avec une serviette en papier. En fait, les caractéristiques de coloration d'une peinture dépendent en grande partie de la composition du support (papier) lui-même, et sur la taille des particules du pigment. La coloration est augmentée si le fabricant de peinture utilise un dispersant pour réduire le temps de fraisage de la peinture (mélange), parce que les actes de dispersant pour entraîner des particules de pigment dans les crevasses de la pâte à papier, la couleur de matage fini.

La granulation se réfère à l'apparition de particules de pigment visibles distinctes dans la couleur fini, produite lorsque la peinture est sensiblement diluée avec de l'eau et appliqué avec un coup de pinceau juteuse; pigments notables pour leur granulation aquarelle comprennent Viridian (PG18), bleu céruléen (PG35), violet de cobalt (PV14) et certaines des pigments d'oxyde de fer (PBr7).

Floculation se réfère à une agglutination particulière typique de pigments outremer (de PB29 ou PV15). Les deux effets se affichent les effets subtils de l'eau comme la peinture sèche, sont uniques à l'aquarelle, et sont considérés comme attrayants par aquarellistes accomplis. Cela contraste avec la tendance dans les peintures commerciales à supprimer textures de pigment en faveur d'homogène, couleur plat.

Grades

Aquarelle commerciales sont disponibles en trois qualités: "Artiste" (ou "professionnel"), «étudiant», et «Scholastic».

• Aquarelles d'artiste contiennent une charge de pigment complète, en suspension dans un liant, généralement la gomme arabique naturelle. peintures de qualité de l'artiste sont généralement formulés avec moins de charges ( kaolin ou craie) qui se traduit par des couleurs plus riches et vibrantes mélanges. Aquarelles classiques sont vendus sous forme humide, dans un tube, et sont éclaircis et mélangés sur un plat ou une palette. Utilisez-les sur du papier et d'autres surfaces absorbantes qui ont été amorcées à accepter la peinture à base d'eau.
• peintures de qualité des élèves ont moins de pigments, et sont souvent formulé en utilisant deux ou plusieurs pigments moins coûteux. Aquarelles étudiants ont des caractéristiques de travail similaires à aquarelles professionnels, mais avec de plus faibles concentrations de pigment, des formules moins coûteuses, et une plus petite gamme de couleurs. Pigments les plus chers sont généralement répliqués par des teintes. Les couleurs sont conçus pour être mélangés, bien que l'intensité de couleur est plus faible. Teintes peuvent ne pas avoir les mêmes caractéristiques de mélange que les couleurs régulières à pleine puissance.
• Aquarelles Scholastic viennent dans des casseroles plutôt que des tubes, et contiennent des pigments et colorants en suspension dans un liant synthétique peu coûteux. Formulations lavables présentent des couleurs qui sont choisis pour être non-coloration, facilement lavable, adapté pour une utilisation par les jeunes enfants, même avec une bonne supervision. Ils sont un excellent choix pour l'enseignement artistes commençant les propriétés de couleur et les techniques de la peinture.

Réserves

Comme il n'y a pas aquarelle blanc transparent, les parties blanches d'une peinture à l'aquarelle sont le plus souvent les zones du papier "réservé" (gauche non peinte) et autorisé à être vu dans le travail fini. Afin de préserver ces zones blanches, de nombreux peintres utilisent une variété de résiste, y compris du ruban adhésif, de la cire claire ou d'un latex liquide, qui sont appliquées sur le papier pour le protéger de la peinture, alors tiré pour révéler le livre blanc. Résistez à la peinture peut aussi être une technique efficace pour commencer aquarellistes. Le peintre peut utiliser des crayons de cire ou pastels à l'huile avant de peindre le papier. Le cire ou d'huile médiums repoussent, ou résister à la peinture à l'aquarelle. Peinture blanche ( le dioxyde de titane ou PW6 oxyde de zinc PW4) est mieux utilisé pour insérer les faits saillants ou des accents blancs dans une peinture. Si mélangé avec d'autres pigments, peintures blanches peuvent les amener à se estomper ou modifier la teinte sous exposition à la lumière. Peinture blanche ( gouache) mélangé avec une peinture à l'aquarelle "transparent" provoquera la transparence à disparaître et la peinture à chercher beaucoup plus terne. Peinture blanche apparaît toujours terne et crayeuse à côté du blanc du papier; cependant ceci peut être utilisé pour certains effets.

Brosses

Une brosse se compose de trois parties: la touffe, la virole et la poignée.

• La touffe est un faisceau de poils d'animaux ou de fibres synthétiques liées étroitement ensemble à la base;
• La virole est un manchon métallique qui entoure la touffe, la touffe donne sa forme en coupe transversale, fournit un support mécanique sous pression et protège de l'eau vers le bas portant le joint de colle entre la, fond plat garni de la touffe et la poignée;
• Le manche en bois laqué, qui est généralement plus courte dans un pinceau à aquarelle que dans une brosse à peinture à l'huile, a une forme plus large-distincte juste derrière la virole et effilée à la pointe.

Lors de la peinture, peintres détiennent généralement la brosse juste derrière la virole pour les coups de pinceau plus doux.

Poils et de fibres

Brosses détiennent peinture (le «talon») par l'intermédiaire du action capillaire des petits espaces entre les poils ou touffes de fibres; la peinture est libérée par le contact entre la peinture humide et le papier sec et la flexion mécanique de la touffe, ce qui ouvre les espaces entre les poils de la touffe, le dispositif de retenue de détente capillaire sur le liquide. Parce que la peinture à l'aquarelle amincie est beaucoup moins visqueux que l'huile ou acrylique, les brosses préférés par aquarellistes ont une touffe plus doux et plus dense. Ce est habituellement obtenue en utilisant cheveux naturels récoltés à partir agricoles soulevé ou piégé animaux, en particulier zibeline, écureuil ou la mangouste. Brosses Moins chers, ou des brosses conçues pour le travail grossier, peuvent utiliser les crins et soies de porc ou de bœuf museau et les oreilles.

Cependant, comme avec des peintures, la chimie moderne a développé de nombreuses fibres synthétiques et en forme qui rivalisent avec la rigidité des poils et imitent le ressort et la douceur des cheveux naturels. Jusqu'à tout récemment, des brosses en nylon ne pouvait pas tenir un réservoir d'eau du tout, donc ils étaient très inférieurs à balais fabriqués à partir de cheveux naturels. Au cours des dernières années, des améliorations dans l'exploitation et pointant propriétés de filaments synthétiques les ont gagné beaucoup plus grande acceptation parmi les aquarellistes.

Il n'y a aucune réglementation du marché sur l'étiquetage appliqué à pinceaux d'artistes, mais la plupart des brosses de prix des aquarellistes de kolinsky (russes ou chinois) sable. Le meilleur de ces poils ont une couleur caractéristique brun rougeâtre, plus sombre près de la base, et un arbre effilée qui est pointé à la pointe, mais plus large à mi-chemin vers la racine. cheveux Squirrel est assez mince, droite et généralement sombre, et rend touffes avec une capacité très liquides; mangouste a une coloration caractéristique sel et le poivre. Brosses à poils sont plus rigides et plus légers de couleur. «Camel» est parfois utilisé pour décrire poils provenant de plusieurs sources (aucun d'entre eux un chameau).

En général, les brosses à cheveux naturels ont pression supérieure et de pointage, une plus grande capacité (maintenir un cordon plus grande, de produire une plus longue course continue, et la mèche jusqu'à plus de peinture à l'état humide) et une libération plus délicate. Brosses synthétiques ont tendance à déverser trop de la peinture perle au début du coup de pinceau et de laisser une plus grande flaque de peinture lorsque la brosse est soulevée du papier, et ils ne peuvent pas rivaliser avec le pointage de pinceaux de martre naturels et sont beaucoup moins durables . D'autre part, ils sont généralement beaucoup moins cher que les cheveux naturels, et les meilleures brosses synthétiques sont maintenant très réparable; Elles sont aussi excellentes pour le texturage, le façonnage, ou la couleur de levage et pour la tâche mécanique de la rupture ou de la peinture frottant à dissoudre dans l'eau.

Un pinceau de martre de haute qualité a cinq attributs clés: pointage (dans une ronde, la pointe de la touffe vient à un point précis fine qui n'a pas évasement ou fendue dans un plat, la touffe forme un rasoir mince de pointe, parfaitement droite) ; enfichable (ou "printemps"; la touffe fléchit en réponse directe à la pression appliquée sur le papier, et rapidement revient à sa forme originale), la capacité (la touffe, pour sa taille, détient un grand cordon de la peinture et ne libère pas ce que la brosse est déplacée dans l'air); libération (la quantité de peinture libérée est proportionnelle à la pression appliquée sur le papier, et le débit de peinture peut être contrôlée avec précision par la pression et la vitesse de la course que la peinture bourrelet est épuisée ); et la durabilité (un gros pinceau de qualité, élevé peut résister à des décennies d'usage quotidien).

La plupart des brosses à cheveux naturels sont vendus avec la touffe cosmétiquement en forme avec de l'amidon ou de la gomme, de sorte que les brosses sont difficiles à évaluer avant d'acheter, et la durabilité est seulement évidente après une longue utilisation. Les défauts les plus communs de brosses à cheveux naturels sont que la touffe jette poils (bien qu'un peu effusion est acceptable dans une nouvelle brosse), l'embout devient desserré, ou la poignée de bois rétrécit, se déforme, fissures ou écaille son revêtement de laque.

Formes

Brosses naturelles et synthétiques sont vendus avec la touffe en forme pour différentes tâches. Parmi les plus populaires sont:

• Les rounds suivants. La touffe a une section transversale circulaire, mais un profil effilé, plus large près de la virole (le "ventre") et effilée à la pointe (le "point"). Ce sont des brosses à usage général qui peuvent répondre à presque ne importe quelle tâche.
• Appartements. La touffe est comprimé latéralement par la virole dans un coin plat; la touffe apparaît carré, vu de côté et a un bord parfaitement droite. «Brights» sont des méplats dans lequel la touffe est aussi longue que large; Brosses "une" de course sont plus longues que leur largeur. "Brosses Sky» ou «brosses de lavage" ressemblent brosses housepainting miniatures; la touffe est généralement de 3 cm à 7 cm de large et est utilisé pour peindre de grandes surfaces.
• Mops (cheveux naturels uniquement). Une brosse ronde, généralement de poils d'écureuil et, décorative, avec une virole plume d'oie qui est enveloppé avec du fil de cuivre; ceux-ci ont des capacités très élevées pour leur taille, particulièrement bon pour humide dans la peinture humide ou lavage; à l'état humide, ils peuvent évacuer de grandes quantités de peinture.
• Filbert (ou «Langue de chat", cheveux seulement). Une brosse hybride: un appartement qui vient à un point, comme un tour, utile pour les coups de pinceau de forme spéciale.
• Rigger (capillaires). Une très longue, mince touffe, à l'origine utilisé pour peindre le gréement dans les portraits nautiques.
• Ventilateur. Un petit bémol dans lequel la touffe est évasée en forme de ventilateur; utilisée pour la texturation ou peinture irréguliers, hachures parallèles.
• Acrylique. Un pinceau plat à poils synthétiques, attaché à un (généralement clair) poignée de plastique avec une pointe biseautée utilisé pour marquer ou grattage.

Une brosse seule peut produire beaucoup de lignes et des formes. Un «tour», par exemple, peut créer des lignes fines et épaisses, bandes larges ou étroites, courbes, et d'autres effets peints. Un pinceau plat lorsqu'il est utilisé sur l'extrémité peut produire des lignes fines ou des tirets en plus de la large bande typique avec ces brosses, et ses brushmarks afficher l'angle caractéristique des coins de touffes.

Chaque aquarelliste travaille dans des genres spécifiques et a un style personnel de peinture et de «discipline de l'outil", et ceux-ci déterminent en grande partie sa préférence pour les brosses. Les artistes ont généralement quelques favoris et de faire plus de travail avec juste un ou deux brosses. Les brosses sont typiquement la composante la plus chère des outils de l'aquarelliste, et une sélection de brosse d'usage générale minimale seraient les suivants:

• 4 ronde (pour le détail et brossage)
• 8 ronde
• 12 ou 14 rondes (pour les grandes zones de couleur ou lavages)
• 1/2 "ou 1" plat
• 12 vadrouille (pour les lavages et mèche)
• 1/2 "acrylique (pour dissoudre ou mélanger les peintures et les peintures de lavage avant de soulever du papier)

Les principaux fabricants de brosses d'aquarelle comprennent DaVinci, Escoda, Isabey, Raphaël, Kolonok, Robert Simmons, Daler-Rowney, Arches, et Winsor & Newton. Comme avec les papiers et les peintures, il est courant pour les détaillants à la Commission de brosses sous leur propre label d'un fabricant établi. Parmi ceux-ci ne sont pas cher Joe, Daniel Smith, Dick Blick et Utrecht.

Tailles

La taille d'une brosse ronde est désigné par un numéro, qui peut varier de 0000 (pour un très petit rond) à 0, puis du 1er au 24 ou supérieur. Ces chiffres correspondent à la taille des cuivres moule de brushmakers utilisé à façonner et à aligner les poils de la touffe avant qu'il ne soit lié hors tension et coupé, et comme avec la chaussure dure, ces tailles varient d'un fabricant à l'autre. En général, une brosse ronde # 12 a une touffe d'environ 2 à 2,5 cm de long; touffes sont généralement plus gros (plus large) dans pinceaux en Angleterre que dans les brosses faites sur le continent: un allemand ou français # 14 tour est d'environ la même taille que l'Anglais # 12. Logements peuvent être désignés soit par un système de numérotation similaire mais distinct, mais le plus souvent sont décrits par la largeur de la virole, mesurée en centimètres ou en pouces.

crayon aquarelle

crayon aquarelle est un autre outil important dans les techniques de l'aquarelle. Cette hydrosoluble crayon de couleur permet de dessiner les détails fins et de les mélanger avec de l'eau. Artistes de renom qui utilisent des crayons d'aquarelle comprennent illustrateur Travis Charest. Un outil similaire est le pastel à l'aquarelle, plus large que le crayon aquarelle, et capable de couvrir rapidement une grande surface.

Papier

La plupart des aquarellistes avant c.1800 ont dû utiliser quel que soit le papier était à portée de main: Thomas Gainsborough était ravi d'acheter du papier utilisé pour imprimer un guide touristique de bain, et le jeune David Cox préféré un papier lourd utilisé pour emballer les paquets.James Whatman abord offert unpapier vélin de l'aquarelle en 1788, et le premier machinemade ("cartouche") des documents à partir d'un moulin alimenté à vapeur en 1805.

Tous les papiers d'art peuvent être décrits par huit attributs: la finition, la couleur, le poids, la finition, le dimensionnement, les dimensions, la permanence et l'emballage. peintres peignent généralement Aquarelle sur papier spécialement formulé pour les applications de watermedia. Papiers fins de watermedia sont fabriqués sous les noms de marque Arches, Bockingford, Cartiera Magnani, Fabriano, Hahnemuehle, Lanaquarelle, Le Langton, Le Prestige Langton, Millford, Saunders Waterford, Strathmore, Winsor & Newton et Zerkall; et il ya eu une remarquable résurgence récente dans les papiers faits à la main, notamment celles par Twinrocker, Velke Losiny, Mill Ruscombe et Saint-Armand.

Fournir

La composition de fabrication ou du matériel contenu traditionnel des papiers aquarelle est la cellulose, un hydrate de carbone structurel constaté dans de nombreuses plantes. Les sources les plus courantes de cellulose de papier sont le coton, le lin, la cellulose alpha ou extraite de pâte de bois. Pour faire du papier, la cellulose est mouillée, mécaniquement macéré ou pilé, traité chimiquement, rincé et filtré à la cohérence de la farine d'avoine fine, puis versé dans la fabrication de moules en papier. Dans la main des papiers, la pâte est coulée à la main ("cast") dans des moules de papier individuelles (un écran de maille étirée dans un cadre en bois) et secoué à la main en une couche régulière. Dans la production industrielle du papier, la pulpe est formée par de grandes machines à papier qui se propagent le papier cylindres-soit de gros cylindres métalliques chauffés qui tournent à grande vitesse ( Machinemade papiers) ou des cylindres en treillis métallique qui tournent à faible vitesse ( mouldmade papiers). Les deux types de machine à produire du papier dans un rouleau continu ou bande , qui est ensuite découpé en feuilles individuelles.

Poids

Le poids de base du papier est une mesure de la densité et de l'épaisseur. Il est décrit comme le poids en grammes d'un mètre carré d'une seule feuille de papier ou grammes par mètre carré (g). La plupart des papiers aquarelle vendus aujourd'hui sont dans la gamme entre 280gsm à 640gsm. (Le système impérial précédente, exprimée en poids en livres d'une rame ou 500 feuilles de papier, quelle que soit sa taille, obsolète dans certaines régions, est encore utilisé aux États-Unis. Les poids les plus communes dans le cadre de ce système sont £ 300 (plus lourd), le papier £ 200 £ 140 et £ 90) Plus lourd est parfois préférable au poids plus léger ou un papier plus fin, car il ne se tord pas et peut contenir jusqu'à épuration et lavages extrêmement humides. Aquarelle papiers sont généralement près d'un blanc pur, parfois légèrement jaune (appelé blanc naturel), bien que de nombreux papiers teintés ou colorés sont disponibles. Un diagnostic important est le hochet du papier, ou le bruit qu'il fait quand brandie par un coin et secoué vigoureusement. Documents qui sont denses et fabriqué à partir de pâte fortement macéré avoir, un hochet métallique brillant, tandis que les papiers qui sont spongieux ou fait avec de la pâte légèrement macéré ont un sourd, hochet caoutchouteux.

Finition

Tous les papiers d'obtenir une texture du moule utilisé pour les fabriquer: un tissaient des résultats de finition à partir d'un écran métallique uniforme (comme un écran de fenêtre); une posés résultats de finition à partir d'un écran en fils horizontaux étroitement espacés séparés par des fils verticaux largement espacés. La finition est également affectée par les méthodes utilisées pour évacuer et sécher le papier après avoir été "rédigée" (supprimé) du moule de papier ou est retiré du cylindre de la fabrication du papier.

Aquarelle papiers sont disponibles en trois finitions de base: pressées à chaud (HP), pression à froid (CP, ou au Royaume-Uni "Non", pour "ne pas pressée à chaud"), et rugueux (R). Celles-ci varient grandement d'un fabricant à.

• Documents bruts sont typiquement séchées en les accrochant comme la lessive («séchage loft") de sorte que les feuilles ne sont pas exposés à aucune pression après qu'ils sont formulés; la finition vélin a une dénoyautées, texture inégale qui est très apprécié pour sa capacité à accentuer la texture de pigments d'aquarelle et coups de pinceau.
• Pressée à froid papiers sont séchés dans de grandes piles, entre feutre absorbant des couvertures; ceci agit pour aplatir environ la moitié de la texture trouvés dans les feuilles rugueuses. documents de CP sont appréciés pour leur polyvalence.
• Hot pressé papiers sont des feuilles pressées à froid qui sont passés à travers, de compression des cylindres métalliques chauffés (appelés "agenda"), qui aplatit presque toute la texture dans les feuilles. Papiers HP sont évalués parce qu'ils sont relativement non absorbante: pigments restent sur ​​la surface du papier, éclaircissant la couleur, et l'eau ne sont pas absorbés, de sorte qu'il peut produire une variété de taches d'eau ou des marques en séchant.

Ces désignations ne sont que relatives; le papier de CP d'un fabricant peut être plus rugueuse que le papier de R d'un autre fabricant. Fabriano offre même une presse «soft» (SP) feuille intermédiaire entre le CP et HP.

Dimensionnement

papiers d'aquarelle sont traditionnellement taille, ou traités avec une substance à réduire le pouvoir absorbant de cellulose. Encollage interne est ajoutée à la pâte à papier après le rinçage et avant qu'il ne soit coulé dans le moule de papier; "baignoire" collage externe ou est appliqué à la surface du papier lorsque le papier est séché. Le dimensionnement traditionnelle a été la gélatine, la gomme arabique ou la colophane, si substituts synthétiques modernes ( dimères d'alkylcétène tels que Aquapel) sont maintenant utilisés à la place. Les documents très absorbants qui ne contiennent pas de dimensionnement sont désignés waterleaf .

Dimensions

La plupart des papiers d'art sont vendus comme des feuilles de papier de dimensions standard. La plus commune est la feuille entière (22 "x 30"), et demi-feuilles feuilles (15 "x 22") ou quarts (15 "x 11") est dérivé. Grandes (et moins standardisés) feuilles comprennent le Double Elephant (au sein d'un pouce ou deux de 30 "x 40") et empereur (40 "x 60"), qui sont les plus grandes feuilles disponibles dans le commerce. Papers sont également fabriqués en rouleaux, jusqu'à environ 60 "de large et 30 pieds de long. Enfin, les documents sont également vendus comme aquarelle" blocs "-a bloc de 20 ou si des feuilles de papier, coupé à dimensions identiques et collés sur les quatre côtés , qui fournit une haute stabilité dimensionnelle et la portabilité, même si les documents de blocs ont tendance à avoir des finitions sobres. Le peintre travaille simplement sur ​​la feuille exposée et, une fois terminé, utilise un couteau pour couper l'adhésif autour des quatre côtés, la séparation de la peinture et de révéler la nouvelle papier en dessous.

Permanence

Enfin, les meilleurs papiers d'art sont désignés d'archives , ce qui signifie qu'ils vont durer sans détérioration significative pour un siècle ou plus. Archives signifie que les papiers sont entièrement réalisés en alpha-cellulose de haute ou de coton ou de lin fibre 100% (ce qui signifie qu'ils sont sans lignine , que les causes de la lignine assombrissement et à la fragilisation sous exposition à la lumière), pH neutre (ce qui signifie qu'il n'y a pas l'acidité résiduelle de le traitement chimique de la pâte), tamponnée (une petite quantité d'un composé alcalin, généralement du carbonate de calcium, est ajouté à la composition pour neutraliser l'effet des acides dans l'atmosphère), et libre de toute azurants papier artificiels ou des agents de blanchiment (par exemple, des colorants ultraviolets ). Les désignations de contenu "100% de coton» ou «chiffon de coton 100%" ont peu d'importance à la qualité réelle ou attributs de manipulation du papier. (Une large gamme de papiers à l'aide de fibres végétales alternatives, certains d'entre eux ne archives, sont disponibles auprès des fabricants asiatiques; quelques aquarellistes emploient même des feuilles de plastique imprimable, vendus sous des noms de marque tels que Yupo et Polyart.) Le papier synthétique a un pH élevé valeur et fonctionne bien avec toute la peinture de watermedia

Test de qualité

Un test utile de la qualité du papier est tout simplement de graver un petit morceau de papier dans un cendrier: cellulose pure brûle complètement à l'écart de, une cendre grise blanchâtre vaporeux. La capacité d'absorption d'un papier est évaluée par le lécher. La résistance mécanique du papier est évaluée par pliage à plusieurs reprises avant et en arrière le long d'un pli unique. La stabilité du papier (quantité de cockling quand trempé) et sa réponse à la peinture de levage (le papier ne devrait pas déchiqueter ou de déchirer) est au mieux testée en faisant une peinture sur elle.

Étirage

Toutes les fibres de cellulose absorbent l'humidité et l'expansion le long de la longueur de la fibre à l'état humide; ce qui produit le flambage familier ou gauchissement appelé cockling . Uniformément humidifiée, papiers friser typiquement une dimension le long de Machinemade, révélant la courbure du cylindre, ils ont été formés sur; certains documents de mouldmade et tous les papiers faits à la main COCKLE dans un motif irrégulier aléatoire. Handmade papers ont généralement quatre deckles naturelles (plumes, des bords irréguliers) laissés par le moule de papier; mouldmade papiers ont deux deckles naturelles le long des bords de la bande, et deux deckles simulées produites en découpant la feuille avec un jet d'eau comprimé; papiers Machinemade ont pas deckles.

Au 19e siècle, avant moderne de haute qualité et des poids lourds de papier étaient disponibles, aquarellistes préféraient «étirer» les documents avant de peindre sur eux, pour minimiser ou éliminer cockling et de fournir un support de peinture entreprise. Le document a été complètement immergé dans l'eau pendant 10-15 minutes, puis mis complètement à plat sur ​​une planche. Les bords de papier ont été fixées avec du ruban gommé, colle d'amidon ou des punaises, et le document a été laissé à sécher. (Comme le papier sèche il se rétrécit, produisant une haute tension à travers la surface du papier; quand il est peint sur, cette tension prend de l'expansion produite par le gondolement du papier, de sorte que le papier reste plat.) Lorsque la peinture était fini, l'gommé ou collés bord du papier, y compris la limitation de format (qui a été considéré comme inesthétique) a été ébarbé. Beaucoup de peintres aquarelle étendent encore leurs papiers, mais parce deckles naturelles sont appréciés aujourd'hui pour leur, effet main décorative, la préférence moderne est de travailler sur des documents non étirées, soit en utilisant un poids plus lourd de papier, en permettant papier pour sécher avant qu'il ne devienne trop saturé, ou en exploitant les effets artistiques qui cockling peut produire.

Techniques

Aquarelle sur papier a la réputation d'être très exigeant; il est plus exact de dire que les techniques de l'aquarelle sont uniques à l'aquarelle. Contrairement à l'huile ou de la peinture acrylique, où les peintures restent essentiellement l'endroit où ils sont mis et sèchent plus ou moins sous la forme qu'ils sont appliqués, l'eau est un partenaire actif et complexe dans le processus de peinture à l'aquarelle, changeant à la fois la capacité d'absorption et la forme du papier lorsque elle est humide et les contours et l'aspect de la peinture en séchant. La difficulté dans la peinture à l'aquarelle est presque entièrement à apprendre à anticiper et tirer parti du comportement de l'eau, plutôt que de tenter de contrôler ou de dominer.

Beaucoup de difficultés se produire parce que l'aquarelle ne doivent pas pouvoir couvrant, si les efforts antérieurs ne peuvent pas simplement être peint; et le support papier est à la fois absorbant et délicat, si les peintures ne peuvent pas simplement être grattées, comme la peinture à l'huile à partir d'une toile, mais doivent être laborieusement (et souvent seulement partiellement) soulevé par réhumidification et buvard. Cela induit souvent en étudiant les peintres une angoisse prononcée et inhibant de faire une erreur irréversible. Aquarelle a une association de longue date avec le dessin ou la gravure, et la procédure commune pour limiter ces erreurs est de faire une précision, contour faible dessin au crayon de l'objet à peindre, d'utiliser de petites brosses et de peindre des zones limitées de la peinture seulement après tous les domaines de la peinture adjacentes ont complètement séché.

Une autre caractéristique de l'aquarelle est que le liant hydrate de carbone est seulement une petite proportion du volume de peinture crue, et une grande partie du liant est établie entre les fibres de cellulose hydrophiles de papier humide que la peinture (et papier) sèche. En conséquence, l'aquarelle ne forment pas une couche d'enceinte du véhicule autour des particules de pigment et un film continu de véhicule séché sur le support de la peinture, mais laissent des particules de pigments dispersés et bloqués comme de minuscules grains de sable sur le papier. Ceci augmente la diffusion de la lumière à la fois le pigment et les surfaces de papier, ce qui provoque une caractéristique de blanchiment ou d'éclaircissement de la couleur de la peinture en séchant. Les particules de pigment exposés sont également vulnérables aux rayons ultraviolets dommageables, ce qui peut compromettre la permanence pigment.

Technique de l'aquarelle de base comprend lavages et les glaçures. Dans aquarelles, un lavage est l'application de peinture diluée d'une manière qui déguise ou efface coups de pinceau individuels pour produire un espace unifié de la couleur. Typiquement, cela pourrait être un lavage bleu clair pour le ciel. Il existe plusieurs techniques pour produire un lavage acceptable, mais la méthode de l'étudiant est à incliner la surface du papier (habituellement après fixation sur un support plat rigide), de sorte que le haut de la zone de lavage est supérieure à la partie inférieure, puis à appliquer la peinture dans une série de coups de pinceau même, horizontales dans une séquence à la baisse, chaque course juste chevauchant la course ci-dessus pour tirer vers le bas l'excédent de peinture ou de l'eau (le «talon»), et enfin évacue l'excès de peinture de la dernière course en utilisant un papier serviette ou la pointe d'un pinceau humide. Cela produit un endroit aéré, translucide effet de couleur unique d'aquarelles, surtout quand une granulation ou un pigment de floculation (comme le bleu ou vert émeraude outremer) est utilisé. Lavages peuvent être «classés» ou «diplômé» en ajoutant plus de peinture pré-dilué ou d'eau pour le mélange utilisé dans les coups de pinceau successifs, ce qui assombrit ou éclaircit le lavage du début à la fin. Lavages "panaché", qui mélange deux ou plusieurs couleurs de peinture, peuvent également être utilisés, par exemple, comme un lavage avec des zones de bleu et peut-être un peu de rouge ou orange pour un ciel au lever ou au coucher du soleil.

Une glaçure est l'application d'une couleur de peinture sur une couche de peinture précédente, avec la nouvelle couche de peinture à une dilution suffisante pour permettre à la première couleur de montrer. Glaçures sont utilisés pour mélanger deux ou plusieurs couleurs, pour ajuster une couleur (assombrir ou changer sa teinte ou saturation), ou de produire une surface extrêmement homogène, lisse couleur ou une transition de couleur contrôlée mais délicate (lumière à l'obscurité, ou une seule teinte à un autre). La dernière technique nécessite la première couche à une consistance de peinture très diluée; cette couche de vernis dissout le collage en surface de papier et le desserre les touffes de cellulose dans la pâte. Les couches suivantes sont appliquées à des concentrations de plus en plus lourds, toujours en utilisant une petite brosse ronde, seulement après l'application de la peinture précédente a complètement séché. Chaque nouvelle couche est utilisé pour affiner les transitions de couleurs ou d'effacer les irrégularités visibles dans la couleur existante. Peintres qui utilisent cette technique peut demander 100 émaux ou plus pour créer un seul tableau. Cette méthode est actuellement très populaire pour la peinture contraste élevé, des sujets complexes, en particulier des fleurs colorées dans des vases de cristal brillamment illuminés par la lumière solaire directe. La méthode de vitrage travaille également exceptionnellement bien à l'aquarelle portrait, permettant à l'artiste de dépeindre les tons chair complexes de manière efficace.

Mouillé sur mouillé

Humide sur humide comprend toute application de la peinture ou de l'eau dans une zone de la peinture qui est déjà mouillée avec soit la peinture ou de l'eau. En général, mouillé sur mouillé est un des traits les plus distinctifs de la peinture à l'aquarelle et la technique qui produit un effet pictural frappante.

L'idée essentielle est de mouiller toute la feuille de papier, posé à plat, jusqu'à ce que la surface plus évacue de l'eau, mais il permet de reposer sur la surface, puis à plonger avec un gros pinceau saturé avec de la peinture. Cela se fait normalement à définir les grands domaines de la peinture avec des couleurs irrégulière défini, qui est ensuite affiné et raffiné avec la peinture plus contrôlé que le papier (et de la peinture précédente) sèche.

Humide sur humide comprend en fait une variété d'effets spécifiques de peinture, chaque produit à travers différentes procédures. Parmi les plus courantes et caractéristique:

• Backruns (également appelés fleurs, fleurs, oozles, les filigranes, les lavages ou runbacks). Parce que les fibres de cellulose hydrophiles et rapprochées du papier assurent une traction pour l'action capillaire, l'eau et la peinture fraîche ont une forte tendance à migrer de plus humide sur les surfaces sèches de la peinture. Comme la zone humide pousse dans la sécheuse, il laboure jusqu'à pigment long de son bord, en laissant un espace de couleur plus claire derrière elle et une bande plus foncée de pigment long d'un bord irrégulier, dentelé. Backruns peuvent être subtils ou prononcée, en fonction de la consistance de la peinture dans les deux zones et la quantité d'humidité déséquilibre. Backruns peuvent être induites en ajoutant plus d'eau ou de la peinture à une zone de peinture en séchant, ou par transfert (séchage) d'une zone déterminée de la peinture, ce qui provoque le plus humide se glisser dans les zones entourant elle. Backruns sont souvent utilisés pour symboliser une poussée de la lumière ou le contour d'éclairage sur un objet, ou tout simplement pour un effet décoratif.
• Peindre Diffusion . En raison du déséquilibre osmotique, la peinture concentrée appliquée à un papier préalablement mouillée a tendance à diffuser ou à développer dans de l'eau pure qui l'entoure, en particulier si la peinture a été blanchi à l'aide d'un dispersant (agent tensioactif). Cela produit un plumeux caractéristique, frontière délicate autour de la zone de couleur, ce qui peut être amélioré ou partiellement façonnée par l'inclinaison de la surface de papier avant de l'eau sèche, façonner la diffusion avec un débit d'eau de surface.
• Verser Couleur . Certains artistes versent de grandes quantités de peinture légèrement diluée sur des zones séparées de la surface de la peinture, puis à l'aide d'un pinceau, spray en bouteille de l'eau et / ou basculement judicieuse du support de la peinture, provoquent les zones humides de fusionner en douceur et se mélangent. Après la couleur a été mélangé et a permis de mettre pendant quelques minutes, la peinture est basculé verticalement à la feuille tout excès d'humidité (les couleurs plus claires à travers les plus sombres), laissant derrière lui un papier taché de hasard, les variations de couleurs délicates, qui peut être plus en forme avec un pinceau humide ou de la peinture ajoutée tandis que le papier est encore humide. Une variation populaire utilise des zones séparées de peinture rouge, jaune et bleu, qui, lorsqu'il est mêlé et drainé produire un effet saisissant de la lumière dans les ténèbres; zones de blanc sont réservés d'abord en les recouvrant d'un film plastique, du ruban adhésif ou un latex liquide résister. (La technique a été inventée et utilisée pour effet similaire, par JMW Turner .)
• À l'autre extrême de l'humidité dans les techniques humides, Drybrush est la technique de peinture à l'aquarelle pour la précision et le contrôle, suprêmement illustré dans de nombreuses peintures botaniques et dans les aquarelles de brossage de Andrew Wyeth. Raw (non dilué) peinture est ramassé avec un humidifiées, petite brosse (généralement un # 4 ou plus petit), puis appliqué sur le papier avec une petite éclosion ou coups de pinceau qui sillonnent. La pointe du pinceau doit être mouillée, mais pas surchargé avec de la peinture, et la peinture doit être juste assez de liquide pour transférer sur le papier avec une légère pression et sans dissolution de la couche de peinture en dessous. L'objectif est de construire ou de mélanger les couleurs de peinture avec de courtes touches précises qui se mélangent pour éviter l'apparition du pointillisme. L'effet cumulatif est objective, de texture et très contrôlée, avec la valeur la plus forte possible contraste dans le milieu. Souvent, il est impossible de distinguer une bonne aquarelle drybrush partir d'une photographie de couleur ou de la peinture à l'huile, et de nombreuses aquarelles de brossage sont vernies ou laquées après leur achèvement pour améliorer cette ressemblance.

  Frottis (dans le 19ème siècle, appelé "l'effritement couleur» ou «glisser la couleur") est une technique sans rapport de chargement d'un gros pinceau, humide plat ou rond avec de la peinture concentrée, évacue l'excès, puis légèrement glisser le côté ou le talon de la touffe sur le papier pour produire un rugueux, apparence texturée, par exemple pour représenter l'herbe de plage, les surfaces rocheuses ou de l'eau étincelante. La quantité de texture qui peut être produite dépend de la finition ou dent du papier (R ou de papier de CP fonctionne mieux), la taille de la brosse, la consistance et de la quantité de la peinture à la brosse, et la pression et la vitesse de la coup de pinceau. Papier humide entraînera la couleur scumbled de diffuser peu avant qu'il ne sèche.

  Diluer et mélanger les peintures à l'aquarelle

  Lors de l'utilisation des aquarelles, il est important d'utiliser toute la gamme de peinture cohérence. La couleur la plus dense possible est obtenue en utilisant la peinture comme il vient de le tube. La couleur la plus claire est obtenue en utilisant de la peinture très diluée avec de l'eau, ou appliqué sur le papier et ensuite effacé loin avec une serviette en papier. Généralement, la peinture directement du tube doit être utilisé uniquement avec une application brossage: si la peinture est utilisée pour couvrir complètement le papier il sèche généralement à un aspect de cuir mat (appelé bronzage ). Habituellement, la peinture du tube d'une partie doit être dilué avec de 2 à 3 parties d'eau pour éliminer le bronzage dans la peinture appliquée avec un gros pinceau sur le papier sécher; avec 4 à 6 parties d'eau pour produire la couleur la plus saturée; et avec encore plus d'eau pour produire des teintes délicates de couleur et d'améliorer les textures de pigment (de granulation ou floculation). Le point principal est de profiter de la gamme complète des effets de peinture qui sont produites à différentes consistances de peinture.

  Comme une question de commodité, peintres généralement aussi ajouter un ou plusieurs peintures réalisées avec un pigment d'oxyde de fer (les pigments dits «terre») et vendus sous les noms de marketing d'ocre jaune, terre de Sienne, terre d'ombre naturelle, terre de Sienne brûlée, terre d'ombre brûlée et / ou rouge vénitien. Exactement les mêmes couleurs brunes ou ocre peuvent être jumelés à l'une des six palettes de peinture, mais il est fastidieux de faire. Comme les couleurs sombres exigent également mélange incommode, la plupart des peintres préfèrent ajouter une peinture sombre et neutre prémélange contenant un atome de carbone (noir) pigment et un pigment de coloration pour produire un léger biais de couleur, généralement vendu sous les noms de marketing indigo, gris, teinte neutre de payne ou sépia.

  Peinture résistance à la lumière

  Un examen final est tenue à la lumière, ou la capacité d'un pigment de conserver son aspect original de couleur en cas d'exposition à la lumière. Ceci est généralement indiqué comme une évaluation numérique, de I (haute résistance à la lumière) à III ou IV (faible résistance à la lumière), sur le tube de peinture ou dans les informations techniques de peinture disponibles auprès du fabricant. Résistance à la lumière est une question cruciale à l'aquarelle, parce que la peinture pigment est pas entouré par un liant séchée de protection (comme dans l'huile ou des peintures acryliques), mais reste exposée à la surface du papier. Au 19ème siècle, aquarelles ont acquis une réputation sur le marché pour l'impermanence relatif qui continue de réprimer leur prix aujourd'hui, et les peintres qui admirent ce milieu va faire des choix pour améliorer sa situation sur le marché: en effet, les peintures résistantes à la lumière de l'aquarelle sur des documents d'archives sont plus durables que toute peinture à l'huile sur toile. Le milieu de la peinture la plus stable est le pastel, l'aquarelle, mais résistants à la lumière modernes sont maintenant plus stable que l'huile ou acryliques médiums. Malheureusement, fabricant de peinture notes de solidité à la lumière ne sont pas toujours fiables. Cependant, parce qu'ils ont été démontrés être impermanent à l'aquarelle, certains pigments (peintures) ne doivent jamais être utilisés en toutes circonstances. Ceux-ci comprennent: aureolin (PY40), Alizarine Cramoisie (PR83), véritable rose garance (NR9), véritable carmin (NR4), véritable vermillon (PR106), la plupart des vins rouges de naphtol et des oranges, tous les colorants (y compris la plupart des «aquarelles liquides" et le marqueur stylos), et les peintures pré-mélangés avec un pigment blanc, y compris les peintures commercialisés sous les noms de naples jaune, vert émeraude ou bleu anvers. La plupart de ces colorants inventé au 19ème siècle ou avant qui ont été remplacées par des alternatives modernes beaucoup plus durables, et ceux-ci sont généralement vendus comme les peintures "de teinte" (par exemple, "l'alizarine cramoisie teinte" est un pigment moderne qui ressemble à l'alizarine cramoisie) . la pratique de l'étiquetage de l'industrie est d'inclure une note de solidité à la lumière sur l'emballage de la peinture, et les peintres ne doit utiliser des peintures qui ont une cote de solidité à la lumière de I ou II selon les normes d'essai publiés l'American Society for Testing and Materials (maintenant ASTM International).